KAMASI WASHINGTON Y OTROS, PRESENTE Y FUTURO DEL COSMIC JAZZ

Kamasi Washington

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Este saxo tenor de Los Angeles ha revolucionado la escena del jazz en el año 2016. En este año Kamasi ha compartido cartel con importantes bandas de rock en los festivales de Glastonbury y Primavera Sound. 

Toda esta presencia es consecuencia de su obra,  The Epic, magna y desmesurada. En este triple CD se suceden temas de gran intensidad,  en los que Kamasi  con un saxo Coltraniano , dos baterías,  dos contrabajos, coros, orquesta de cuerda, dos teclados … da forma a una obra grandiosa.

 

Unas muestras del sonido de este disco épico.

La crítica ha aproximado a Kamasi a a Coltrane y a Sun Ra y yo aun le sacaría en cuanto a sonido general de la orquesta un parecido con Santana, en los discos de Caravanserai y Borboletta.

En este enlace una muestra del épico  concierto de  Kamasi Washington en  Los Angeles. Vale la pena dedicarle las más de dos horas a esta grandiosa actuación.  A la vista de esta actuación me pregunto si caben más músicos en un escenario.

Kamasi Washington con once años practicaba al piano. Un día su padre se dejó el saxo soprano y Kamasi lo tomó y empezó  a curiosear.  Sacó el tema de Wayne Shorter “Sleeping dancer sleep on” que le gustaba mucho.

A partir de ese día Kamasi tuvo muy claro que lo suyo era el saxo.

Antes de lanzar su magna obra trabajó con Mcoy  Tyner, Kenny  Burrel, Freddie Hubbard, George Duke, Stanley Clark, Quincy  Jones, Chaka Kan …

En el año 2015 colaboró en el disco  de Kendrick Lamar “To pimp a butterfly”.

En este video podemos ver a un Kamasi diferente del habitual, con una mínima formación, pero igual de efectiva.

También ha colaborado entre otros con Thundercat y Robert Glasper.

A partir deĺ minuto 4 Kamasi hace una entrada triunfal.

Afortunadamente Kamasi ya ha grabado su segundo trabajo, “Harmony of difference“ del cual nos ha dado un adelanto  y en agosto  presentará más temas de este disco.

CAMERON GRAVES

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Uno de los pianistas de Kamasi Washington en el disco The Epic. Su disco Planetary  Prince está teniendo una gran trascendencia en la escena del jazz y del rock en los EEUU. Se trata de un disco muy intenso, en el que el piano acústico se toca con un tono muy subido y con grandes influencias de la música clásica. Kamasi Washington y otros miembros de su grupo participan en este gran disco. Todos ellos del colectivo West Coast Get Down. Grupo de músicos muy creativos de la zona de Los Angeles, surgido del Piano Bar de esta ciudad.

 

 

Este disco se puede considerar como una continuación de The Epic. Sonido que recuerda a Chick Corea con su Return to Forever más sinfónico.

Según Cameron Graves su disco está basado en “El Libro de Urantia“, un libro religioso y esotérico  que surgió en la década de los cincuenta. Tanto Hendrix como Stockhausen estaban muy influidos por el Libro de Urantia.

Explicar de qué va Urantia es demasiado complicado y se sale de la temática del blog.

SONS OF KEMET

Este grupo lo incluyo en  la categoría de jazz cósmico por derecho propio.Además su líder, Shabaka Hutchings ha colaborado con la Sun Ra Arkestra. En su día ya le dedicamos una entrada a este sorprendente dgrupo.  Desde entonces  ha publicado un segundo disco LEST WE FORGET que sigue en la línea del primer disco.   

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Shabaka Hutchings toca en otro grupo “The Comet is Coming” y en él da rienda suelta a sus delirios más Cósmicos. Grupo muy cercano a la música de Baile y a la electrónica.

THEO CROKER

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Otro más que ya ha salido en este blog. Su jazz verdaderamente es muy espacial.

Bueno esto es un muestrario del presente y futuro del  Jazz Cósmico.

 

 

 

REPEAT, AND WHEN I DIE, POR BLOOD SWEAT AND TEARS

And When I Die es un gran tema de mi admirada Laura Nyro. En su versión original resulta una canción sencilla, con fuerza, casi un godspel, perfectamente la podría haber cantado  Nina Simone. Laura, su piano y de fondo unos buenos arreglos orquestales.

En el estribillo se dice con una buena dosis de optimismo

And when I die 
and when I’m dead, dead and gone,
There’ll be one child born and
a world to carry on, to carry on

La letra habla de lo inevitable de una manera desdramatizada, tranquila y con ironia, pero al mismo tiempo con dudas, algo lógico a mi modo de ver.

I’m not scared of dying
and I don’t really care
If it’s peace you find in dying,
well, then let the time be near

If it’s peace you find in dying,
when dying time is here,
Just bundle up my coffin cause
it’s cold way down there,

I hear that’s it’s cold way down there,
yeah, crazy cold way down there

Resulta chocante y triste a la vez que Laura Nyro muriera de cáncer con sólo 49 años.

Esta canción la tomó Blood Sweat and Tears, un grupo de lo que yo llamo rock-jazz, es decir jazz hecho por músicos de jazz. Chicago, The Flock, Frank Zappa y Blood Sweat and Tears fueron los máximos exponentes de este genero en los Estados Unidos.

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Blood Sweat and Tears tomó su nombre de una famosa frase de Winston Churchill en un discurso en plena segunda guerra mundial. Churchill añadió además esfuerzo.

I have nothing to offer but blood, toil, tears and sweat.

El grupo se formo en 1967, su cantante era Al Kooper, que había tocado con Bob Dylan en Higway 61 revisited, en el segundo cambió el cantante por el histriónico pero efectivo David Clayton Thomas que es el que canta en el tema propuesto en la entrada.

El grupo tenía una potente sección de metal proveniente del mundo del jazz; Lew Solof (trompetista de Gil Evans), Randy Brecker (Brecker Brothers), Joe Henderson

Bueno y sin más rollo al tema:

Una sencilla introducción de armónica nos sitúa en lo que va a ser la canción, en 21 segundos nos presentan el estribillo con un tempo más lento luego un ritmo un poco “atrancado” y regular da entrada a David Clayton Thomas que poco a poco va acelerando el tema para asimilarlo al original de Laura Nyro. Con el estribillo  llega un gran momento jazzístico de metal.

Pasado el primer minuto entre vodevil y cantina del oeste da un giro inesperado al tema.

Llega el momento 1:28, DOS SEGUNDOS DE SILENCIO (lo nunca oído) y a empezar de nuevo.

2:13, las sorpresas continúan, ahora montamos a caballo por el Lejano Oeste.

A partir del minuto  3 la aportación a la letra del grupo. Un rollo muy de los EEUU con the devil,  the demon,  Satan …

Por último el tema se resuelve con el espectacular

There will be a child to carry on

Bueno lo de siempre oídla y repetidla.

Os dejo otra version en directo del tema con un solo de tuba muy conseguido y una selección de spotify del grupo.

 

Por último, cuando pongo  Blood Sweat and Tears en el buscador  siempre  me sale un grupo de adolescentes andróginos de Corea del Sur, muy en la línea Baby Metal que me las descubrió Tarareando .

Nada que ver con este blog, aunque sean un grupo digno de estudio, para el que se atreva.

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y otros.

PASADO Y PRESENTE DEL JAZZ CÓSMICO

Hace poco vi una nota en Pitchfork en la que comentaba los músicos que habían tomado el relevo en el “jazz cósmico“.

Primero nos podríamos aclarar que es eso del jazz cósmico. Bueno a mi modo de ver musicalmente hablando no es ningún estilo como pueda ser el cool, el be bop o el hard bop.

Los grupos que practican el jazz cósmico comparten una característica musical. Normalmente les une un gusto por la experimentación y por los sonidos a menudo novedosos y diferentes a lo que hace el común de los demás grupos o músicos de la comunidad del jazz. Eso que Pitchfork nos presenta como jazz cósmico es más un conjunto de circunstancias que acompañan a los músicos que la música en sí misma.

Si hay un grupo que representa el cosmic jazz es la

Sun Ra Arkestra

El formador de este singular grupo es Herman “Sonny” Blount, nacido en Birmingham Alabama. Pianista, compositor, arreglista.

En 1946-7 ya era arreglista de la orquesta de Fletcher Henderson. A mediados de los años 50 tenía su propio trio en Chicago y acompañaban a diversos músicos como La Vern Baker, Johnny Guitar Watson, Sarah Vaughan

Entra en contacto con Alton Abraham médico radiólogo muy interesado por las ciencias ocultas, el espacio y la historia antigua. Alton seria su mentor, productor y manager. Herman Blount dejó de existir. Su alter ego, Sun Ra provenía de Saturno y desarrolló toda una mística y una estética entre el espacio exterior y el antiguo Egipto que fue y sigue siendo a día de hoy una de las señas de identidad de la Sun Ra Arquestra.

La  Arkestra, una pequeña Big Band, era una formación que tocaba fijo en un local de Chicago y por ahí pasaban entre otros Johnny Griffin, Sonny Rollins y John Coltrane.

Sun Ra fue uno de los primeros músicos que montó su propio sello discográfico “Saturn Records”. Había muchos discos tan experimentales que la única manera de ver la luz era auto editándolos.

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En 1959 compuso parte de la música de la películaThe cry of jazz”     (en el enlace del titulo está toda la película en cuatro capitulos, absolutamente recomendable) que reivindica con pasión la “negritud del jazz”. Concepto más que discutible y que daría para muchas líneas. En esta película define perfectamente el sonido de Sun Ra, calificándolo de nuevos sonidos de jazz contemporáneo y explicando las bases de su música:

  • Las melodías del Be Bop
  • El “color” de Duke Ellingtong
  • Los cambios experimentales de Thelonious Monk.

Sonido totalmente Ellingtoniano.

Nada que ver con Ellington

En los 60 la Sun Ra Arkestra, comienza a tener éxito entre el ambiente universitario y por supuesto en Europa. El grupo empieza a desdoblarse, varios saxos, dos o tres baterías, instrumentos de percusión, cantantes, bailarinas.

Sun Ra junto a Cecil Taylor y Ornette Coleman fueron los primeros en experimentar y dieron forma al Free Jazz. Durante los 60 muchas grabaciones de Sun Ra anticipaban elementos del free jazz, mezclados con elementos del mambo y con un gran uso percusivo.

Cuentan que en 1961 el grupo va al festival de Montreal, de vuelta pasan por Nueva York y el vehiculo que transporta a la Arkestra se avería. Algunos vuelven a Chicago, pero el grueso se queda en Nueva York y la orquesta se convierte en un imprescindible de la escena del jazz.

 

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En cuanto a los teclados Sun Ra no paraba de investigar piano eléctrico (fue de los primeros en usarlo), claviolino, celesta, órgano, rocksichord (mezcla entre harpsichord y piano eléctrico),sintetizadores…

Este tema es de 1957 y dicen que fue la primera vez que se uso en el jazz un piano eléctrico.

Que bien suena ese piano eléctrico. 
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A finales de los 60 e inicios de los 70 la Arkestra hace unas incursiones en California.

En 1971 Sun Ra da un curso en la universidad de Berkely California de titulo “El Hombre Negro en el Cosmos“. Esto atrajo la atención de un productor de cine Jim Newman.

Basada en las lecturas de Sun Ra le produce la película Space is the place. (Aquí esta el enlace a la película subtitulada en español)

El argumento se las trae “Tras desaparecer Sun Ra en su última gira europea, vuelve al planeta tierra en una nave en forma de cuernos. Recibido por una multitud, Sun Ra va a un centro social juvenil a buscar voluntarios, entre los afroamericanos, para colonizar el planeta de donde proviene. Ahí no le hacen ni caso en principio. Sun Ra va a realizar una actuación para buscar más voluntarios afroamericanos.  Además unos técnicos de la Nasa, con muy malos modos y blancos por supuesto, lo persiguen para averiguar la tecnología que usa en sus viajes espaciales. Al final Sun Ra y algunos voluntarios parten hacia el espacio poco antes de que la tierra saliera por los aires.”

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Este delirio tiene una música en la que Sun Ra baja el listón y es muy audible.

 

En 1980 Robert Muggee (recomendable seguir el enlace de Robert Mugee, sus peliculas sobre música parecen muy interesantes) realiza la pelicula documental Sun Ra: A joyfull of noise. Una entrevista en un museo de arte egipcio y dos atuaciones de la Arkestra se entrecruzan en este film.

Durante los 80 el grupo siguió actuando, siendo un imprescindible de los festivales tanto en EEUU como en Europa. Algunas actuaciones de la orquesta podían durar hasta cinco horas.

El 30 de mayo de 1993 Sun Ra partio hacia el espacio exterior y nos abandonó, pero la Sun Ra Arkestra continuó su andadura.

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John Gilmore fue el siguiente director de la Arkestra. Este saxofonista entró en la orquesta de Sun Ra en sus inicios, tocó también con The jazz Messengers, Mcoy Tyner, Chick Corea, Elmo Hope.

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Su manera de improvisar fue muy admirada por saxofonistas de vanguardia como John Coltrane y Pharoah Sanders. John cuenta que Sun Ra le introdujo en la música, que le costó más de seis meses entender las armonías de Sun Ra y que pensaba que Ra estaba a la altura de Mingus y Monk. Dos años después de la muerte de Sun Ra John Gilmore falleció, dejando el testigo a

Marshall Allen

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EN 1958 Marshall compró un disco en una tienda en Chicago. El tendero le dijo que el grupo ensayaba cerca de de allí tres veces por semana y que siempre estaban buscando músicos para la banda. Así conoció Marshall Allen la Sun Ra Arkestra.

El primer día Sun Ra lo tuvo de pie (no había silla para él) mientras le hablaba más de una hora de la Biblia y el espacio exterior. El tercer día le hizo una prueba y lo incorporó a la banda.

Este “joven” de 92 años lleva 22 años dirigiendo la banda y esta ha cambiado poco sus procedimientos desde los años 50. Siguen ensayando tres veces por semana, la orquesta está abierta a nuevas incorporaciones, y no les pagan en los ensayos, otra cosa es cuando actúan. Comenta que todavía existen muchas partituras de Sun Ra por descubrir.

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Marshall Allen toca el saxo alto, la flauta el oboe, el piccolo, la kora y algunos instrumentos de fabricación propia.

Y por último veamos lo que es capaz de hacer Marshall Allen con 90 años

Todo un fuera de serie de 90 años.

Sobre la musíca seleccionada: hacer una selección musical de la Sun Ra Arkestra es harto difícil. Aquí todo lo que está es, pero falta mucho. He obviado todo el arduo o espeso free-jazz de Sun Ra en aras de ofrecer la cara musicalmente mas amable de la orquesta. La finalidad del blog es mas para atraer a la gente a la música que generar un rechazo.

CONTINUARÁ …

Yusef Lateef y Julian Cannonball Adderley en homenaje a John Coltrane

La cantidad de grabaciones en  directo de las formaciones  de Julian Cannonball Adderley es muy prolija. Es el consuelo que nos queda a sus admiradores pues su prematura desaparición  con menos de 50 años nos privó  de  una gran estrella. El caso es que al que escribe se le pasan las horas escuchando estos discos y disfrutando de los distintos grupos del buen “Caníbal” . Además normalmente estos discos han recogido las presentaciones que el propio Cannonball hace de sus temas y que resultan muy distraídas.

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El disco que hoy nos ocupa es de Nippon Soul. No hace falta que diga donde está grabado.  La formación de es de super lujo. Julián al saxo alto, su hermano Nat a la corneta,  Joe Zawinul al piano,  Sam  Jones al bajo, Louis Hayes a la batería y Yusef Lateef  al tenor, ocarina, flauta …

Vaya quinteto. El disco se grabó en julio de 1963. En el hay un tema dedicado a John Coltrane titulado “Brother John”, bueno dejemos que el propio Cannonball nos lo presente y oigamos estos sorprendentes   más de trece minutos.

El tema homenajea más concretamente al inolvidable “My favorite thing”  que tan popular hiciera Trane.

Así como  Coltrane utilizó para este tema el saxo soprano, saliendo se de su más habitual registro del tenor, Lateef toca en este tema también la ocarina, dándole un sonido excepcional.

En el ritmo y también en la melodía también hay muchas similitudes,  de manera que el homenaje no se limita únicamente a una referencia en el título si no que musicalmente Trane está presente en todo el tema.

Oigamos al tema homenajeado

Este tema lo compuso  en 1959  por Rodgers y Hammerstein para un musical  de Broadway “El sonido de la  música” Trane lo tomó en  1961 desarrollando todo un tema entre el y Mccoy Tyner al piano. Posteriormente en 1965 el musical original se transforma en una película que en España seria “Sonrisas y Lágrimas”.

Coltrane incluyó este tema de más de trece minutos en su disco homónimo  de Atlantic  Records y fue un gran éxito.  Incluso se partió el tema en dos y se editó en un single.

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La popularidad de la canción persiguió a Trane durante su temporada en Atlantic y en Impulse  (el sello que Coltrane impulsó).

De hecho lo intentó con otra vez con el soprano en este difícil “Chim Chim Chere” de sonido más áspero y sin concesiones.

Tuvo que llegar “A Love Supreme” para que Trane dejará de sentirse presionado y para que Impulse recogiera con creces todo lo que había apostado por Coltrane.

Por cierto como este blog es afín a Murakami … recordamos “Kafka en la orilla”.

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El protagonista Kafka Tamura, un adolescente que se escapa de su casa e inicia una extraña búsqueda de sus orígenes y sin ser consciente de ello. Pues bien Kafka lleva en su mochila un disc-man donde alterna Prince, Cream, Radiohead y John Coltrane. En un momento bastante mágico e irreal de la novela Kafka oye “My Favorite thing” y comenta cosas como que se trata de una complicada improvisación que cubre todas las notas musicales y que es imposible de silbar, solo se puede llegar a una ligera aproximación, que es mejor que nada. En otro momento Kafka describe el mágico momento de este tema en que Trane acaba con su solo de soprano y arranca McCoy Tyner con su solo de piano, “la mano izquierda marca el monótono ritmo y la derecha acumula gruesos y oscuros acordes”(2:30 aprox). Acaba la referencia diciendo que en el fondo de sus oídos sigue Coltrane con su laberíntico solo, un solo sin fin.

Esto es lo que le pasará a cualquiera que oiga este varias veces.

Llegado aquí tocaría hablar de Yusef Lateef y Cannonball Adderley, pero vamos a dejar a Cannonball para otra ocasión (volverá).

Yusef Lateef

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William Emmanuel Huddelston de pequeño se trasladó a Detroit donde se formó como músico. Giró con una Big Band junto a Roy Eldridge y  Dizzy Gillespie  en 1949 -1950. De 1955 a 1959 dirigió su propio quinteto con el trombonista Curtis Fuller.  Grabó para los sellos Savoy Prestige y Riverside.  Fue el guitarrista Kenny Burrel el que le inicia en la flauta. Trabajó con Mingus y Donald Byrd.

Entre 1962 y 1964 entra en el grupo de Cannonball Adderley donde ejerce una labor fundamental como compositor e instrumentista aportando un sonido “exótico” al grupo.

Coltrane que era prácticamente consejero en el sello Impulse hace que lo fichen para el sello y permanece en este hasta 1966 gozando de total libertad y haciendo la musica que quería. Yusef era muy apreciado por Coltrane por el dominio de muchos instrumentos de madera exóticos como el argul (un doble clarinete que suena como un fagot), el shanat (un oboe del norte de La India), flauta de bambú …

También tocaba el oboe, el fagot (instrumento poco usado en el jazz), y por descontado el saxo tenor.

Su primer disco en Impulse “Jazz Round the World” puede calificarse como “world music” antes de que este término hubiese sido inventado.

A partir de 1967 pasó al sello Atlantic Records donde también tiene buenas grabaciones. En los 80 estuvo en Nigeria enseñando flauta.

Y ahora un tema de este primer disco de Lateef para Impulse.

Y también una versión del “Brother John” que ha sido el origen de la entrada.

Yusef murió en 2013 a los 93 años.

Espero que os haya interesado esta mezclilla entre Cannonball, Coltrane y Yusef Lateef.

REPEAT, “PICK UP THE PIECES” POR THE AVERAGE WHITE BAND

The Average White Band banda escocesa de funk y música de baile. Hoy en día dirían Acid Jazz. Sacaron su nombre de unas palabras de un diplomático británico que en cierto momento dijo “to much for the average white man“. Les gustó como sonaba y cambiaron al hombre por la banda.

Intentando traducir el nombre del grupo diríamos algo así como “la banda blanca del término medio”. Intraducible, un sin sentido.

Desde luego que unos escoceses hicieran funky y lo hicieran tan bien no era nada habitual ni del término medio.

The  Average White Band se formó a primeros de los 70 por unos músicos de estudio y de acompañamiento ya curtidos que probaron suerte y grabaron su primer disco en Londres con poco éxito.

Su segundo disco conocido como The White Album tuvo un largo periplo previo. Grabado en Los Angeles para MCA al final fue rechazado por la propia discográfica y fue un directivo de Atlantic Records (al cual le hicieron una encerrona para que oyera el disco) el que se volvió a interesar por el disco y puso toda la maquinaria ATLANTIC al servicio de este grupo.

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El resultado fue un esplendido álbum que llegó a no 1 en el Billboard de R and B y el single fuera de serie, la canción que nos trae hoy,       que por supuesto fue número uno en singles.

Y sin más explicaciones

PICK UP THE PIECES

 

Repetidla y a  bailar.

DOROTHY, ALICE Y BRANDEE MÁS ARPA Y MÁS JAZZm

Una de las entradas de este blog con más visitas es la dedicada a Edmar Castañeda. Llevo mucho tiempo queriendo complementar esta entrada con otra dedicada a las intérpretes históricas del arpa en el jazz. Son Dorothy Ashby y Alice Coltrane.

 

Dorothy Ashby (1930-1986)

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Nacida en Detroit pronto se dedicó a la música, después de tocar con Louis Armstrong y con Woody Herman en los 50, formó su propio combo con el flautista  Frank Wess, consiguiendo algo que hasta entonces totalmente novedoso y sorprendente, integrar perfectamente el arpa en el bebop.

Dorothy  grabó 11 discos .

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Hip Harp e In a Minor Groove destacan por su sabor bebop y por la original colaboración de Frank Wess a la flauta con Dorothy.

Soft Winds (1961) un gran disco de donde arpa y vibráfono se dan la mano repasando grandes clasicos del jazz.

Afro-Harping (1968) es un disco donde Dorothy da un giro al soul jazz y que ha servido de inspiración a muchos músicos actuales de Hip Hop.

Este es un gran tema con un gran ambiente y ritmo.

The Rubaiyat of Dorothy Ashby  se decantaba por sonidos más orientales.

En este disco ademas toca un istrumento japones de cuerda el Koto

En la década de los 70 Dorothy Ashby se trasladó  a L.A. y trabajo como músico de estudio haciendo muy buenas colaboraciones.  La más famosa es la de it’s magic de  Stevie Wonder. La lista es interminable Earth Wind and Fire, Billie PrestonMinnie Riperton, Bobby Womack …

Alice Coltrane (1937-2007)

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Pianista que empezó su carrera en el Detroit próspero de los años 50 junto con  Bud Powell,  Yusef Lateef, Donald Byrd, Milt Jackson,Paul Chambers, Elvin Jones…

Se traslada a Nueva York y se casa con Poncho Hagood cantante de scatt que colabora con Charlie Parker y Miles Davis. La adición a la heroína de su marido  la hace volver a Detroit con una hija, como madre soltera. Ahí sigue actuando y ganando dinero para sacar adelante a su hija.

Alice Mcleod conoce a John Coltrane en 1963,cuando su trío toca como telonero del cuarteto de Trane en sus actuaciones en el Birdland.

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Alice estaba en su música muy encorsetada por la ortodoxia del bebop que practicaba. Desde que conoce a Trane se siente atraída por la búsqueda constante de nuevas formas y sonidos de John Coltrane.

En 1965 se casan y Alice está con él, hasta su muerte de cáncer de hígado en 1967. Tuvieron tres hijos.

Alice llega a sustituir a Mccoy Tyner en 1965. El giro al free jazz que la música de Coltrane estaba dando hacía que Tyner no estuviera cómodo.  Alice fue acusada al igual que Yoko Ono unos años después, de ser la responsable de la ruptura del cuarteto  mágico de Coltrane. Aún así en 1972 colaboró en el disco de Maccoy Tyner  Extensions.

Tras la muerte de Coltrane  y de un hermanastro tuvo un periodo de inestabilidad, búsqueda espiritual, perdidas de peso, viajes a la India cambió dos veces de nombre. Su familia temía por su salud física y mental y ella vivía otra realidad. Poco a poco ella fue contactando con la realidad y empezó a gestionar el inconmensurable legado que había dejado su marido.

En 1968 graba su primer disco como solista A monastic trio en el cual toca por primera vez el arpa alternándola con el piano. Alice es acompañada por los antiguos camaradas de John Paroah Sanders,Jimmy Garrison y Rashied Ali.

Huntington Ashram Monastery en este disco no hay saxo que acompañe a el piano o el arpa.

Path the daoud disco con Joe Henderson y Pharaoa  Sanders. La versión del tema Blue Nile es fantástica y en ella los saxofonistas tocan la flauta acompañando al arpa.

Autodidacta con el arpa, Alice decía que el piano representaba el amanecer y el arpa el atardecer, maravillándose de la sutileza, la quietud y la tranquilidad del arpa. Alice tocó el arpa por sugerencia de John. Coltrane  no llegó a ver a su mujer dominando el arpa.

Journey in Satchidananda (1970) es el disco de jazz más espiritual grabado hasta el momento.

Universal Counsciousness, World Galaxy, Lords of lords son tres discos en la línea espiritual pero que incorporan además arreglos de cuerda. La crítica fue recibiendo estos discos con menos entusiasmo  e incluso  calificó a World Galaxy  excesivamente edulcorado. El ultimo tema de Lord of Lords es un tema basado en la Sinfonía del nuevo mundo.

Un año después abriría el disco Welcome de Santana.

Flying Lotus sobrino nieto de Alice Coltrane dice que para ellos es una canción familiar que suena en los funerales. Sonó en el de su madre y en el de Alice Coltrane.

Por cierto en este disco Alice toca un extracto de la suite El pajaro de fuego de Strawinsky. Este extracto lo uso Yes como introducción de su triple en directo Yessongs

En 1976 Alice Coltrane se retiró a un Ashram fundado por ella misma. Se concentro e mas en interpretar himnos religiosos que luego tocaba en los servicios del Ashram. Poco a poco fue cambiando el arpa por el órgano.

La importancia de estas dos intérpretes trasciende al jazz y la tenemos en música de baile y en hip hop. Gente como Jill Scott, Madlib, Dilla, Flying Lotus tienen influencias de Dorothy y Alice.

Hasta aquí iba a ser la entrada, pero al realizarla me he encontrado felizmente con …

Brandee Younger

Arpista de Long Island, de formación clásica, fue apadrinada por una escuela de jazz dirigida por el saxo alto Jackie McLean y la orientó al mundo del jazz y la improvisación. Pronto se dio a conocer y Ravi Coltrane la llamó para un concierto en homenaje a su madre Alice.

 

Digna sucesora de Dorothy y Alice y con una gran formación clásica. Brandee aleja el estereotipo de la música de arpa como si fuera algo surgido de un bosque encantado y fusiona el arpa con un jazz moderno que a veces está dentro del funky.

 

En el 2015 hizo una gira homenaje a sus dos maestras Dorothy Ashby y Alice Coltrane.

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También editó un disco titulado Wax & Wane. Este disco esta muy cerca de la musica de Dorthy Ashby, incluso en algunos temas la asociación de Arpa y flauta recuerda a la que tuvo Dorothy con Frank Wess. El “descaro” funky del disco y la rica instrumentación hacen que se oiga con deleite.

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Brandee complementa a Edmar Castaneda  y juntos son la realidad del arpa actual en el jazz. Edmar con un bagaje de folclore colombiano mezclado con tradición cubana y portorriqueña y Brandee con una base del jazz de sus dos maestras antes citadas aderezada con un sonido mas funky.

REPEAT: LA NEVADA, POR GIL EVANS

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Hace poco tuvimos un sorprendente episodio de nevadas en lugares donde no acostumbra darse este fenómeno.  En homenaje a este insólito episodio aquí  tenemos a Gil Evans con su famoso tema  “La nevada”.

Este tema está incluido en el disco “Out of the cool” que Evans grabó para Impulse. El título es curiosamente es en español.

Sobre una base rítmica prácticamente constante se desarrolla un tema en el que hay un curioso equilibrio entre composición e improvisación  (una característica muy de Gil Evans). Menos el solo de trombón que estaba escrito previamente a la grabación del tema, todos los demás solos son improvisados.

Una ligera introducción de Evans al piano, la ayuda de las maracas para dar más énfasis, el contrabajo y un ligero toque de guitarra dan la introducción a este tema.

Después de entrar toda la orquesta llega el primer solo de trompeta de John Coles totalmente improvisado, le sigue un de trombón bajo de Tony Studd que es el único solo que no es improvisado.

A continuación entra el saxo tenor de Bud Johnson el bajo de Ron Carter (que ya salio en la lista de Toni) y Ray Crawford a la guitarra, para acabar el tema todo el grupo.

En el titulo del disco Out of the cool,hay una clara referencia a la aventura de  Gil Evans con  Miles Davis en el disco “The birth of the cool”.

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Este disco fue el cuarto disco del sello IMPULSE, que abandero la vanguardia y el buen gusto en el jazz en los 60 y 70. Uno disco de este sello es garantía de calidad.El primer disco de este sello fue de Ray Charles.(comentado en Jazz Charles).

Gil Evans pianista, arreglista y director de orquesta, previamente colaboró en tres discos emblemáticos de  Miles Davis, Miles Ahead, Sketches from Spain  (con la gran versión del concierto de Aranjuez), Porgy and Bess.

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Luego tuvo una larga carrera siempre colaborando otros músicos o al mando de su orquesta. En la entrada de Flora Purim ya hablamos de Gil Evans.

Si Jimi Hendrix hubiera vivido 10 años más habría hecho un disco con Miles Davis  y otro con Gil Evans. O quizá uno con los dos juntos.

En 1975 Evans sacó un disco de temas de Hendrix.

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Como propina os dejo su versión de little wing, pero acompañado de dos ilustres Branford Marsalis y Sting.

subir el volumen pues esta bajo

Bueno y como siempre repetir el tema de la nevada.