DONNY MCCASLIN, EL ULTIMO SAXOFONISTA DE DAVID BOWIE

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En 2014 David Bowie, colabora con la directora de orquesta María Scheneider. Graban el tema Sue. Bowie canta a su manera sobre la orquesta de María logrando un contraste único. La voz sugerente de Bowie ante unos arreglos de orquesta de jazz fue una mezcla inédita hasta el momento.

En esos días María le habla a Bowie  de Donny Mccaslin, un saxofonista de 51 años  que había pasado por su orquesta. Donny un músico experimentado con más de diez discos a sus espaldas está actuando en Nueva York en el 55Bar. Allí se presentan de incógnito María y David y comienza una colaboración entre Bowie y  Donny McCaslin.

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Bowie escucha los cuatro últimos discos de Donny McCaslin en ellos se ha producido un giro a un jazz mas electrónico y rockero.

 

 

Por su lado Donny sólo había oído en su juventud la canción de Bowie y Path Metheny “This is not America”, así que va escuchando la discografía de Bowie y le comenta a David ha oído hasta Aladin Sane. Bowie le comenta que eso es muy antiguo  y que ahora está en otra cosa.

Bowie le pasa proyectos de canciones y el grupo de Donny trabaja en ellas. Para Donny es todo un privilegio trabajar con una estrella del rock y lo que más admira es la capacidad de Bowie de asumir riesgos, su falta de miedo ante el cambio.

David y Donny comentan sobre el saxo. David cuenta que a él le enseñó Ronnie Ross el saxo de Walk on the wild side de Lou Reed, del álbum Blanco de los Beatles. Bowie admira a Charlie Parker y sobre todo a Eric Dolphy.

Black Star sale al mercado y aunque sea un disco difícil es un éxito. Pero al poco tiempo David Bowie fallece. Este disco se convierte pues en el testamento musical de Bowie.

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Donny McCaslin no se puede liberar de la influencia que le ha dejado Bowie. Incorpora a su repertorio Warsawa del Low.

Seis meses después de la salida de Blackstar Donny empieza a grabar su disco Beyond Now.

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En este disco la música de Blackstar, la sombra de la “estrella negra” está muy presente. De hecho tres de los temas  (Shake Loose, Beyond Now y Glory) son descartes de Black Star. El resultado del disco es un disco de jazz rock muy potente. A veces es como si fuera un disco de la segunda etapa de King Crimson que a mitad de la grabación Robert Fripp hubiera salido por tabaco. Esta referencia a King Crimson es mas por el estilo y estructura de las composiciones que por el sonido mismo.

En este disco están Warsawa y A Small plot of land (del disco de Bowie de 1995 Outsider). Curioso y extraño tema que Bowie interpretó junto al grupo Nine Inch Nails.

Aqui tenéis un resumen de cinco temas de este interesante disco.

El tema que da titulo al disco.

Y como muchas veces un buen TINY DESK CONCERT

 

HASTA OTRA AMIGOS

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TRES HOMENAJES A JONI MITCHELL

Entre las novedades de septiembre del DOWNBEAT (una de mis fuentes de nuevo jazz) hay un disco que enseguida me llamó la atención por su portada y sobre todo por su titulo.

JESSICA MOLASKEY; PORTRAITS OF JONI

Viendo la portada me dí cuenta que que ese Joni no era otra que Joni Mitchell.

Leyendo la critica vi que había otro disco dedicado a la cantante canadiense en el año 2015, se trata del disco de Tierney Sutton After blue.

De cuando hice las dos entradas dedicadas al disco Don Juan Reckless Daughter recordaba un algo entre  Herbie Hancock y Joni Mitchell. Así pues fue fácil encontrar el disco River.

Estos tres discos me han servido para volver a escuchar gustosamente a la gran cantante Canadiense y dedicarle otra entrada. Espero que no sea la última.

Y ahora al lío.

HERBIE HANCOCK RIVER (THE JONI MITCHELL LETERS)

Si hay un músico facultado para hacer un homenaje  a Joni Mitchell este es Herbie Hancock. Mirando este vídeo lo entenderéis.

 

Esta grabación para un canal de TV por cable se hizo en 1987. Vaya “monstruos” acompañaban a Joni.

River (The Joni Mitchell letters) se editó en 2007. Wayne Shorter, Carlie Haden y cantantes como Norah Jones, Tina Turner, Leonard Cohen y la misma Joni Mitchell colaboran en este disco.

El piano de Hancock es el hilo conductor de todas estas canciones. Las versiones las alarga Herbie con desarrollos muy personales sobre el piano y muchas veces con la inestimable ayuda de Wayne Shorter al saxo soprano. Muchas de las canciones me transportan a las Paprika Plains, ese lugar tan mágico del imaginario de Joni Mitchell.

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El único tema del disco cantado por Joni Mitchell

TIERNEY SUTTON AFTER BLUE (2015)

Cantante de jazz nacida en Omaha (Nebraska). Tierney se rodea de grandes colaboradores en este disco: Al Jarreau, Hubert Laws, Turtle Island Quartet.

Ayudada por Al Jarreau y el Turtle Island Quartet  comienza este disco con una versión de “Blue”. En esta canción Tierney se aproxima mucho al disco Travelogue de Joni Mitchell en el que ella recreaba muchos de sus éxitos con unos arreglos orquestales de gran calidad.

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Tierney va desgranando unos cuantos éxitos de Joni, “All I Want”, “Woodstock”, “Big yellow taxi”.

El tema “Free Man in Paris” lo funde con el clásico del jazz “April in Paris” alternándose los dos temas en una misma canción.

“The Dry Cleaner from Des Moines” es un tema del album Mingus, el más jazzistico de Joni. Hubert Laws (un flautista veterano del jazz) acompaña al grupo dando el toque de diferenciación de la versión.

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 Hubert Laws

En definitiva un disco que lleva a Joni Mitchell a un espacio entre jazz y canción melódica con unos arreglos musicales muy elaborados.

Tierney nos habla de su disco

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Jessica Molaskey es una cantante de jazz y actriz de musicales de Brodway. Tomy, Los Miserables, City of Angels, Cats, Chess son algunos de los musicales en los que Jessica ha participado. También ha participado últimamente en los festivales de jazz de Montreal y Monterrey.

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Jessica está casada con el guitarrista y cantante John Pizzarelli el cual acompaña a Jessica en este disco. La acompaña y también condiciona su sonido.

En algunos temas Jessica da un aire brasileño a las versiones de Joni Mitchell. No es de extrañar pues Joh Pizarelli tiene dos discos dedicados al sonido brasileño. Cruzar a Joni Mitchell con la música brasileña es algo que nunca había oído y Jessica Molaskey lo hace de maravilla. En dos temas  incluso las fusiona con temas brasileños “Circle Game/Aguas do Marzo” y “Celsea Morning/Aquelas Coisas Todas. Este último tema encajaría muy bien en el programa de radio3 “Cuando los Elefantes Sueñan con la Musica” de Carlos Galilea.

También hace dos mix de temas de Joni Dreamland / Carey y All I Want /Blue.

“The Dry Cleaner from Des Moines” también es versionado por Jessica. En este caso el acompañamiento se hace con una trompeta con sordina muy bien llevada.

En definitiva un buen homenaje a Joni Mitchell.

Bueno para mí ha sido todo un placer volver a escuchar estas canciones de Joni Mitchell tanto en los homenajes como en los originales de la cantante canadiense y escribir esta entrada que espero que no sea la última dedicada a la genial cantante canadiense.

Ahora una lista comparativa.

BEBOP, COOL Y HARD BOP A TRAVÉS DEL SAXO BARÍTONO

Bebop

Nace como reacción al Swing durante el final de los 40. Está caracterizado por un ritmo frenético y gran virtuosismo de los músicos y una gran capacidad de improvisación. Se eliminan notas innecesarias, se comprime la música.

A los músicos de Bebop les preocupaba poco que su música no fuera bailable, de hecho los oyentes estaban sentados y callados. Escuchaban la música sin perder detalle. Frente al sonido de orquesta del swing el Bebop era una música más individualista.

Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, Kenny Clarke, Charlie Christian y Charlie Parker fueron sus principales protagonistas.

En un principio no tuvo mucho éxito comercial, el gran público recelaba del género, pero sus seguidores eran unos grandes incondicionales.

Serge Chaloff

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Nacido en Boston 1929. Autodidacta del saxo barítono. Influido por Harry Carney (barítono de Ellington) absorbió rápidamente las construcciones musicales de Charlie Parker. Entro en la orquesta de Woody Herman donde formó parte de los,”Four Brothers”.

Chaloff fue un gran improvisador del barítono.

Problemas de salud hicieron que fuera mas moderado en su forma de tocar y menos productivo durante los 50.

Cool Jazz

Antes del final de los 40 se produjo una grabación titulada “The Birth of the Cool” (Miles Davis, Gerry Mulligan,  Lee Konitz, Gil Evans, entre otros) En este disco, una orquesta de nueve músicos crea un sonido que destaca por su linea melódica y ritmos tranquilos.

Este disco supuso el punto de partida de una nueva manera de hacer música. Se trató de un jazz con gran lirismo, con influencia de música clásica que tuvo gran éxito comercial durante los 50. Miles, Mulligan, Chet Baker, John Lewis, Stan Getz, Paul Desmond, Dave Brubeck estos fueron algunos de sus protagonistas.

Gerry Mulligan

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Saxo barítono y arreglista, Jeru para los amigos. 

Músico muy versátil que igual se expresaba con el cool como con el bebop, con Monk como con Johnny Hodges o Astor Piazzola.

Ya salio en este blog en la entrada de Murakami y el jazzMurakami y el jazz.

Basado en una composición de Chopin 

Hard Bop

Sería un Bebop enriquecido con blues, R&B, soul, mambo, boogaloo …

Fue un sonido asociado al sello Blue Note. Destaca por su gran ritmo en oposición a la tranquilidad del Cool Jazz. Fue una música principalmente instrumental.

Art Blakey, Horace Silver, Wayne Shorter, Herbie Hancock

Leo Parker

LeoParker

Washington 1929, se le conoce como uno de los mejores saxos barítonos del bebop,adoptando el estilo de Charlie Parker. Tocó brevemente en la orquesta de Dizzy Gillespie y en los 50 se unió a la orquesta de Illinois Jacket. Grabó dos discos como líder de formación en la Blue Note. Murió a los 37 años a consecuencia de sus problemas con la heroína.

Hasta aqui esta descripción de estos tres estilos de jazz y sus ejemplos al barítono.

Hubiera sido mas apropiado Pepper Adams como ejemplo del Hard Bop. Cualquier lector atento se habrá dado cuenta que Leo Parker esta descrito como barítono del Bebop.

La cuestion es que el jazz no es una “ciencia exacta”, afortunadamente. Los músicos de jazz son como los electrones que no se sabe exactamente donde están. Gerry Mulligan tambien es un excelente boper y los dos discos de Leo Parker que grabó en Blue Note son más de sonido  Hard Bop.

Como ejemplo de la posibilidad de un músico en más de un estilo aquí podéis oír como se las gastaba  Leo Parker haciendo Bebop.

Hasta la próxima.

TONY ALLEN, AFROBEAT Y JAZZ

Cuando hice la entrada sobre el Afrobeat del Brasil, Bixiga 70 en el pequeño repaso que le di al Afrobeat, el músico que mas me sorprendió fue Tony Allen.

Este año, Allen nos ha dado dos grandes sorpresas junto con la mítica discográfica Blue Note. Un homenaje a Art Blakey y sus Jazz Messengers y un disco titulado The Source.

Tony Allen nació en lagos en 1940, baterista autodidacta y aficionado al Jazz se unió a Fela Kuti en su primer grupo Koola Lobitos. En aquellos días Fela tenía un programa de radio en Lagos en el que durante media hora daba cuenta del jazz y el hard bop del momento. El grupo de Fela Kuti hacia una mezcla del High Life africano con el jazz.

Con el tiempo se vino a llamar Afrobeat y en 1969 nació Africa 70. Tony Allen fue batería del grupo hasta 1979.

Posteriormente formó su propia orquesta de Afrobeat, y se mudó a Paris. Tony es un músico inquieto y ha mezclado el Afrobeat con distintos géneros pop, Hip Hop, Jazz, electrónica …

Esta en continua evolución, no soportaría hacer sólo el típico Afrobeat. En mi opinión es un genero algo limitado.

En este siglo ha colaborado con Damon Albarn, con su extraño proyecto The Good the Bad and the Queen, y con otros músicos de lo más dispar.

Jimi Tenor músico y compositor finés que ha practicado multitud de estilos y siempre al margen del mercado. Con Tony Allen ha hecho una curiosa mezcla entre jazz, reggae, afrobeat … muy conseguida. Este disco es del 2009.

 

La AHEO (Afro Haitian Experimental Orchestra) un grupo de músicos de Haití que junto a Tony Allen hacen una música muy percusiva que incide en ritmos primigenios del continente africano. En palabras de Tony Allen todo lo que tocaron en Haití era la música que él oía de pequeño en Lagos. Este disco es del 2016.

La maqueta

La producción

recomiendo a todo el que le gusten los ritmos tribales no se pierdan este disco.

Este 2017 Tony ha hecho un gran doblete con Blue Note. A falta de mas información y por el tipo de sonido yo creo que se trata de la misma sesión de grabación en la que han salido un disco y medio.

El primero de ellos es el homenaje a Art Blakey y los Jazz Messenger. Allen en devuelve al Hard Bop y a Art Blakey toda la admiración que el tenía cuando se enseñaba a tocar la batería en Lagos. Tony abmiraba a Art, Philly Joe Jones, Max Roach …

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Sólo cuatro temas que tocó Blakey con distintas formaciones de los Messengers en este breve disco, menos de 25 minutos.

  • Moanin: Probablemente la canción mas insertada en este blog. Bobby Timmons fue su compositor y como ya vimos estuvo en los Messengers.
  • Night in Tunisia: Este clásico compuesto por Dizzy Gillespie en la decada de los cuarenta fue muy interpretado por Charlie Parker, el propio Dizzy y por supuesto por Art Blakey y sua Jazz Messengers.
  • Politely : compuesto por el trompetista miembro de los Messengers Bill Hardman.
  • The Thunder Drum Suite: tema del saxo tenor Benny Golson, otro que también pasó por el grupo de Blakey.

Considero que se trata de un disco ideal para que los no iniciados se sumerjan en el Jazz. Varios son los motivos, su brevedad, lo escogido e histórico de los temas pues los hacen fácilmente reconocibles y por último la limpia instrumentación y la variedad de solos que hay en los temas.

El segundo es un disco recién editado, el 08 de septiembre 2017 titulado The Source. 

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Este disco representa el Afrobeat mezclado con el jazz. El disco lo abre una introducción de trombón respondido por la orquesta de mas de un minuto que bien podría ser de un tema de Duke Ellington o de Charles Mingus, después ya cambia a un ritmo muy afrobeat pero llevado más al jazz y ya empieza un tema con sus solos y melodía recurrente.

Ritmos ligeramente reggae, soul jazz, del cool de Miles Davis en París, de blues, de Afrobeat se van sucediendo en este gran disco en el cual la instrumentacion brilla a la misma altura que en el anterior disco.

El tema que abre el disco

El disco lo cierra el siguiente tema que acerca el sonido de Tony Allen a las Marching bands de Nueva Orleans.

 

El estilo de batería de Tony es direco, tranquilo, sosegado,  no golpea fuerte, pero no para. Tony dice de si mismo que es un tipo tranquilo y que toca de la misma manera que es.

Lo que en principio iba a ser una entrada sobre Tony Allen y su homenaje a Art Blakey se ha ampliado con la nueva producción  The Source y con los discos con Jimi Tenor y la AHEO.

De la misma manera que para contrastar presente y pasado hice con Jason Moran y Fats Waller  inserto una lista de Spotify comparativa entre Allen y Blakey.

Hasta la próxima.

KAMASI WASHINGTON Y OTROS, PRESENTE Y FUTURO DEL COSMIC JAZZ

Kamasi Washington

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Este saxo tenor de Los Angeles ha revolucionado la escena del jazz en el año 2016. En este año Kamasi ha compartido cartel con importantes bandas de rock en los festivales de Glastonbury y Primavera Sound. 

Toda esta presencia es consecuencia de su obra,  The Epic, magna y desmesurada. En este triple CD se suceden temas de gran intensidad,  en los que Kamasi  con un saxo Coltraniano , dos baterías,  dos contrabajos, coros, orquesta de cuerda, dos teclados … da forma a una obra grandiosa.

 

Unas muestras del sonido de este disco épico.

La crítica ha aproximado a Kamasi a a Coltrane y a Sun Ra y yo aun le sacaría en cuanto a sonido general de la orquesta un parecido con Santana, en los discos de Caravanserai y Borboletta.

En este enlace una muestra del épico  concierto de  Kamasi Washington en  Los Angeles. Vale la pena dedicarle las más de dos horas a esta grandiosa actuación.  A la vista de esta actuación me pregunto si caben más músicos en un escenario.

Kamasi Washington con once años practicaba al piano. Un día su padre se dejó el saxo soprano y Kamasi lo tomó y empezó  a curiosear.  Sacó el tema de Wayne Shorter “Sleeping dancer sleep on” que le gustaba mucho.

A partir de ese día Kamasi tuvo muy claro que lo suyo era el saxo.

Antes de lanzar su magna obra trabajó con Mcoy  Tyner, Kenny  Burrel, Freddie Hubbard, George Duke, Stanley Clark, Quincy  Jones, Chaka Kan …

En el año 2015 colaboró en el disco  de Kendrick Lamar “To pimp a butterfly”.

En este video podemos ver a un Kamasi diferente del habitual, con una mínima formación, pero igual de efectiva.

También ha colaborado entre otros con Thundercat y Robert Glasper.

A partir deĺ minuto 4 Kamasi hace una entrada triunfal.

Afortunadamente Kamasi ya ha grabado su segundo trabajo, “Harmony of difference“ del cual nos ha dado un adelanto  y en agosto  presentará más temas de este disco.

CAMERON GRAVES

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Uno de los pianistas de Kamasi Washington en el disco The Epic. Su disco Planetary  Prince está teniendo una gran trascendencia en la escena del jazz y del rock en los EEUU. Se trata de un disco muy intenso, en el que el piano acústico se toca con un tono muy subido y con grandes influencias de la música clásica. Kamasi Washington y otros miembros de su grupo participan en este gran disco. Todos ellos del colectivo West Coast Get Down. Grupo de músicos muy creativos de la zona de Los Angeles, surgido del Piano Bar de esta ciudad.

 

 

Este disco se puede considerar como una continuación de The Epic. Sonido que recuerda a Chick Corea con su Return to Forever más sinfónico.

Según Cameron Graves su disco está basado en “El Libro de Urantia“, un libro religioso y esotérico  que surgió en la década de los cincuenta. Tanto Hendrix como Stockhausen estaban muy influidos por el Libro de Urantia.

Explicar de qué va Urantia es demasiado complicado y se sale de la temática del blog.

SONS OF KEMET

Este grupo lo incluyo en  la categoría de jazz cósmico por derecho propio.Además su líder, Shabaka Hutchings ha colaborado con la Sun Ra Arkestra. En su día ya le dedicamos una entrada a este sorprendente dgrupo.  Desde entonces  ha publicado un segundo disco LEST WE FORGET que sigue en la línea del primer disco.   

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Shabaka Hutchings toca en otro grupo “The Comet is Coming” y en él da rienda suelta a sus delirios más Cósmicos. Grupo muy cercano a la música de Baile y a la electrónica.

THEO CROKER

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Otro más que ya ha salido en este blog. Su jazz verdaderamente es muy espacial.

Bueno esto es un muestrario del presente y futuro del  Jazz Cósmico.

 

 

 

REPEAT, AND WHEN I DIE, POR BLOOD SWEAT AND TEARS

And When I Die es un gran tema de mi admirada Laura Nyro. En su versión original resulta una canción sencilla, con fuerza, casi un godspel, perfectamente la podría haber cantado  Nina Simone. Laura, su piano y de fondo unos buenos arreglos orquestales.

En el estribillo se dice con una buena dosis de optimismo

And when I die 
and when I’m dead, dead and gone,
There’ll be one child born and
a world to carry on, to carry on

La letra habla de lo inevitable de una manera desdramatizada, tranquila y con ironia, pero al mismo tiempo con dudas, algo lógico a mi modo de ver.

I’m not scared of dying
and I don’t really care
If it’s peace you find in dying,
well, then let the time be near

If it’s peace you find in dying,
when dying time is here,
Just bundle up my coffin cause
it’s cold way down there,

I hear that’s it’s cold way down there,
yeah, crazy cold way down there

Resulta chocante y triste a la vez que Laura Nyro muriera de cáncer con sólo 49 años.

Esta canción la tomó Blood Sweat and Tears, un grupo de lo que yo llamo rock-jazz, es decir jazz hecho por músicos de jazz. Chicago, The Flock, Frank Zappa y Blood Sweat and Tears fueron los máximos exponentes de este genero en los Estados Unidos.

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Blood Sweat and Tears tomó su nombre de una famosa frase de Winston Churchill en un discurso en plena segunda guerra mundial. Churchill añadió además esfuerzo.

I have nothing to offer but blood, toil, tears and sweat.

El grupo se formo en 1967, su cantante era Al Kooper, que había tocado con Bob Dylan en Higway 61 revisited, en el segundo cambió el cantante por el histriónico pero efectivo David Clayton Thomas que es el que canta en el tema propuesto en la entrada.

El grupo tenía una potente sección de metal proveniente del mundo del jazz; Lew Solof (trompetista de Gil Evans), Randy Brecker (Brecker Brothers), Joe Henderson

Bueno y sin más rollo al tema:

Una sencilla introducción de armónica nos sitúa en lo que va a ser la canción, en 21 segundos nos presentan el estribillo con un tempo más lento luego un ritmo un poco “atrancado” y regular da entrada a David Clayton Thomas que poco a poco va acelerando el tema para asimilarlo al original de Laura Nyro. Con el estribillo  llega un gran momento jazzístico de metal.

Pasado el primer minuto entre vodevil y cantina del oeste da un giro inesperado al tema.

Llega el momento 1:28, DOS SEGUNDOS DE SILENCIO (lo nunca oído) y a empezar de nuevo.

2:13, las sorpresas continúan, ahora montamos a caballo por el Lejano Oeste.

A partir del minuto  3 la aportación a la letra del grupo. Un rollo muy de los EEUU con the devil,  the demon,  Satan …

Por último el tema se resuelve con el espectacular

There will be a child to carry on

Bueno lo de siempre oídla y repetidla.

Os dejo otra version en directo del tema con un solo de tuba muy conseguido y una selección de spotify del grupo.

 

Por último, cuando pongo  Blood Sweat and Tears en el buscador  siempre  me sale un grupo de adolescentes andróginos de Corea del Sur, muy en la línea Baby Metal que me las descubrió Tarareando .

Nada que ver con este blog, aunque sean un grupo digno de estudio, para el que se atreva.

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k-pop

y otros.

PASADO Y PRESENTE DEL JAZZ CÓSMICO

Hace poco vi una nota en Pitchfork en la que comentaba los músicos que habían tomado el relevo en el “jazz cósmico“.

Primero nos podríamos aclarar que es eso del jazz cósmico. Bueno a mi modo de ver musicalmente hablando no es ningún estilo como pueda ser el cool, el be bop o el hard bop.

Los grupos que practican el jazz cósmico comparten una característica musical. Normalmente les une un gusto por la experimentación y por los sonidos a menudo novedosos y diferentes a lo que hace el común de los demás grupos o músicos de la comunidad del jazz. Eso que Pitchfork nos presenta como jazz cósmico es más un conjunto de circunstancias que acompañan a los músicos que la música en sí misma.

Si hay un grupo que representa el cosmic jazz es la

Sun Ra Arkestra

El formador de este singular grupo es Herman “Sonny” Blount, nacido en Birmingham Alabama. Pianista, compositor, arreglista.

En 1946-7 ya era arreglista de la orquesta de Fletcher Henderson. A mediados de los años 50 tenía su propio trio en Chicago y acompañaban a diversos músicos como La Vern Baker, Johnny Guitar Watson, Sarah Vaughan

Entra en contacto con Alton Abraham médico radiólogo muy interesado por las ciencias ocultas, el espacio y la historia antigua. Alton seria su mentor, productor y manager. Herman Blount dejó de existir. Su alter ego, Sun Ra provenía de Saturno y desarrolló toda una mística y una estética entre el espacio exterior y el antiguo Egipto que fue y sigue siendo a día de hoy una de las señas de identidad de la Sun Ra Arquestra.

La  Arkestra, una pequeña Big Band, era una formación que tocaba fijo en un local de Chicago y por ahí pasaban entre otros Johnny Griffin, Sonny Rollins y John Coltrane.

Sun Ra fue uno de los primeros músicos que montó su propio sello discográfico “Saturn Records”. Había muchos discos tan experimentales que la única manera de ver la luz era auto editándolos.

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En 1959 compuso parte de la música de la películaThe cry of jazz”     (en el enlace del titulo está toda la película en cuatro capitulos, absolutamente recomendable) que reivindica con pasión la “negritud del jazz”. Concepto más que discutible y que daría para muchas líneas. En esta película define perfectamente el sonido de Sun Ra, calificándolo de nuevos sonidos de jazz contemporáneo y explicando las bases de su música:

  • Las melodías del Be Bop
  • El “color” de Duke Ellingtong
  • Los cambios experimentales de Thelonious Monk.

Sonido totalmente Ellingtoniano.

Nada que ver con Ellington

En los 60 la Sun Ra Arkestra, comienza a tener éxito entre el ambiente universitario y por supuesto en Europa. El grupo empieza a desdoblarse, varios saxos, dos o tres baterías, instrumentos de percusión, cantantes, bailarinas.

Sun Ra junto a Cecil Taylor y Ornette Coleman fueron los primeros en experimentar y dieron forma al Free Jazz. Durante los 60 muchas grabaciones de Sun Ra anticipaban elementos del free jazz, mezclados con elementos del mambo y con un gran uso percusivo.

Cuentan que en 1961 el grupo va al festival de Montreal, de vuelta pasan por Nueva York y el vehiculo que transporta a la Arkestra se avería. Algunos vuelven a Chicago, pero el grueso se queda en Nueva York y la orquesta se convierte en un imprescindible de la escena del jazz.

 

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En cuanto a los teclados Sun Ra no paraba de investigar piano eléctrico (fue de los primeros en usarlo), claviolino, celesta, órgano, rocksichord (mezcla entre harpsichord y piano eléctrico),sintetizadores…

Este tema es de 1957 y dicen que fue la primera vez que se uso en el jazz un piano eléctrico.

Que bien suena ese piano eléctrico. 
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A finales de los 60 e inicios de los 70 la Arkestra hace unas incursiones en California.

En 1971 Sun Ra da un curso en la universidad de Berkely California de titulo “El Hombre Negro en el Cosmos“. Esto atrajo la atención de un productor de cine Jim Newman.

Basada en las lecturas de Sun Ra le produce la película Space is the place. (Aquí esta el enlace a la película subtitulada en español)

El argumento se las trae “Tras desaparecer Sun Ra en su última gira europea, vuelve al planeta tierra en una nave en forma de cuernos. Recibido por una multitud, Sun Ra va a un centro social juvenil a buscar voluntarios, entre los afroamericanos, para colonizar el planeta de donde proviene. Ahí no le hacen ni caso en principio. Sun Ra va a realizar una actuación para buscar más voluntarios afroamericanos.  Además unos técnicos de la Nasa, con muy malos modos y blancos por supuesto, lo persiguen para averiguar la tecnología que usa en sus viajes espaciales. Al final Sun Ra y algunos voluntarios parten hacia el espacio poco antes de que la tierra saliera por los aires.”

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Este delirio tiene una música en la que Sun Ra baja el listón y es muy audible.

 

En 1980 Robert Muggee (recomendable seguir el enlace de Robert Mugee, sus peliculas sobre música parecen muy interesantes) realiza la pelicula documental Sun Ra: A joyfull of noise. Una entrevista en un museo de arte egipcio y dos atuaciones de la Arkestra se entrecruzan en este film.

Durante los 80 el grupo siguió actuando, siendo un imprescindible de los festivales tanto en EEUU como en Europa. Algunas actuaciones de la orquesta podían durar hasta cinco horas.

El 30 de mayo de 1993 Sun Ra partio hacia el espacio exterior y nos abandonó, pero la Sun Ra Arkestra continuó su andadura.

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John Gilmore fue el siguiente director de la Arkestra. Este saxofonista entró en la orquesta de Sun Ra en sus inicios, tocó también con The jazz Messengers, Mcoy Tyner, Chick Corea, Elmo Hope.

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Su manera de improvisar fue muy admirada por saxofonistas de vanguardia como John Coltrane y Pharoah Sanders. John cuenta que Sun Ra le introdujo en la música, que le costó más de seis meses entender las armonías de Sun Ra y que pensaba que Ra estaba a la altura de Mingus y Monk. Dos años después de la muerte de Sun Ra John Gilmore falleció, dejando el testigo a

Marshall Allen

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EN 1958 Marshall compró un disco en una tienda en Chicago. El tendero le dijo que el grupo ensayaba cerca de de allí tres veces por semana y que siempre estaban buscando músicos para la banda. Así conoció Marshall Allen la Sun Ra Arkestra.

El primer día Sun Ra lo tuvo de pie (no había silla para él) mientras le hablaba más de una hora de la Biblia y el espacio exterior. El tercer día le hizo una prueba y lo incorporó a la banda.

Este “joven” de 92 años lleva 22 años dirigiendo la banda y esta ha cambiado poco sus procedimientos desde los años 50. Siguen ensayando tres veces por semana, la orquesta está abierta a nuevas incorporaciones, y no les pagan en los ensayos, otra cosa es cuando actúan. Comenta que todavía existen muchas partituras de Sun Ra por descubrir.

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Marshall Allen toca el saxo alto, la flauta el oboe, el piccolo, la kora y algunos instrumentos de fabricación propia.

Y por último veamos lo que es capaz de hacer Marshall Allen con 90 años

Todo un fuera de serie de 90 años.

Sobre la musíca seleccionada: hacer una selección musical de la Sun Ra Arkestra es harto difícil. Aquí todo lo que está es, pero falta mucho. He obviado todo el arduo o espeso free-jazz de Sun Ra en aras de ofrecer la cara musicalmente mas amable de la orquesta. La finalidad del blog es mas para atraer a la gente a la música que generar un rechazo.

CONTINUARÁ …