BENNY GOLSON, HISTORIA DEL JAZZ EN EL JIMMY GLASS

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El Jimmy Glass es un club de jazz del barrio del Carmen en Valencia.

A mediados de octubre al salir de una cena en el barrio del Carmen nos dirigimos al Jimmy Glass para ver la programación. Era una buena escusa para caminar un poco por estas calles.

Ahí vimos anunciada la programación del JIMMY GLASS FESTIVAL 2017. Boquiabierto me quedé cuando vi que el cabeza de cartel era Benny Golson.

“Historia, esto es historia del jazz” dije a los que me acompañaban. “Hay que venir a verlo”. Repetí el comentario y una voz detrás de mí dijo “Aquí hacemos historia del jazz en Valencia”, debía ser el dueño del club.

Desde luego fue una noche histórica, además he investigado los antecedentes de Benny Golson y es una figura histórica viva del jazz, con un recorrido de más de 60 años.

Nació en enero de 1929 en Philadelphia. Aprendió piano, órgano. Con catorce años vió a Arnett Cobb (sustituto de Illinois Jackett) en la orquesta de Lionel Hampton tocar el “Fliying home” se decidió a tocar el saxo tenor para gran desilusión de su madre que lo quería de organista en la iglesia baptista. Muy habitual entre músicos de jazz y blues.

esto debió ser algo parecido a lo que Benny escuchó, a partir del minuto uno y durante un inspirador minuto el sólo de Arnett Cobb.

Antes de ser profesional ensayaba en su casa  con otros amigos. John Coltrane estaba entre ellos. Juntos fueron a escuchar a Charlie Parker en Philadelphia. Era una actuación vespertina. Al acabar la actuación Bird iba a otro local a cuatro manzanas a un bolo nocturno. Benny y John esperaron a Bird a la salida y le pidieron autógrafos. También le pidieron permiso para acompañarle al club. Allí iba Parker rodeado de Benny Golson y John Coltrane. Benny pensaba ojalá me vean mis amigos paseando con Charlie Parker. Los dos no paraban de preguntar a Bird sobre cuestiones técnicas y materiales de como tocaba. En el club tuvieron que despedirse pues no tenían edad para poder entrar.

En 1951 entra a tocar con Tadd Dameron. Este influiría mucho en la posterior manera de componer de Benny.

A Tadd Dameron se le puede considerar el orquestador o arreglador del Be Bop. Curioso y contradictorio concepto pues vimos que el Be Bop era una reacción pendular a las orquestas del swing y Tadd parece que quiera reconducir al Be Bop al mundo de las orquestas y de los arreglos. En este tema es importante ver que además de Benny Golson está el trompetista Clifford Brown del que hablaremos después.

Después tocó con Lionel Hampton y con Dizzy Gillespie.

En 1958-9 pasó por los Jazz Messengers de Art Blakey y después formó con Art Farmer el grupo Jazztet.

Desde su estancia con Tadd Dameron Benny no paró de componer temas, muchos son clásicos o Standards del jazz que han tocado desde Miles Davis, Sonny Rollins, Dizzy Gilespie, Art Blakey y los Jazz Messengers, Art Farmer …

Luego se dedicó a la música de películas y series (Mash, Ironside …) y en los 80  reorganizó el Jazztet volviendo a los escenarios y hasta hoy en día.

Los  que hayan visto “La Terminal” de SpielbergTom Hanks oyeron en la banda sonora a Benny Golson. Además este forma parte de la trama. El personaje de Hanks viaja a Nueva York para obtener un autógrafo de Benny Golson. Lo que hace es continuar una tradición paterna de obtener autógrafos de los músicos que aparecen en la legendaria fotografía “Una mañana en Harlem” que su padre sacó de un diario.

New York Stories: Great Day In Harlem

En este link podéis encontrar a todos los músicos entre otros Sony Rollins, Dizzy Gillespie, Count Basie, Gerry Mulligan, Lester Young ….. y arriba del todo a la izquierda Benny Golson. Clicando sobre cualquier músico podéis saber quién es y además escuchar un video, vaya lujo.

LA ACTUACION

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El jueves 16 de noviembre de 2017se presentaba en el Jimmy Glass, Benny Golson acompañado del trio Joan Monné al piano Ignasi Gonzalez al contrabajo Jo Krause a la batería.

El local ofrece un contacto muy próximo con los músicos y eso tiene su valor. Se trata de un local alargado en el que no cabrán más de 200 personas. El “escenario” se encuentra en la zona central, que es más estrecha. Delante de este ponen dos filas de sillas y poco más, bueno puedes estar de pie apoyado en la pared y tener al artista a menos de tres metros.

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El contacto con el artista es total. Baste decir que cuando entre canción y canción Benny se agachaba por el micrófono, uno del público lo sacaba del soporte y se lo daba a Benny. Así este no se tenía que agachar.

Después del primer set Benny y el pianista salían hacia la barra y tuve que apartarme para dejarles pasar, y todo escuchando como el pianista le decía si quería beber algo y Benny le decía que prefería salir a tomar el aire.

Whisper not fue el segundo tema que tocó. Este tema lo compuso Benny en 20 minutos. Benny dice que podía componer tres temas en un día. A continuación afirma que algunos no valen mucho. No es el caso de Whisper not en cuanto Dizzy la escucho la tomó para su banda y antes de que la grabara Benny, Lee Morgan y Thad Jones la tomaron para sus grupos. Ted Gioia en su libro el canon del Jazz dice que el tema “consigue aunar elegancia con un cierto aire funky”.

Aquí tenemos al propio Benny Golson con los Jazz Messengers. Art Blakey continuaría tocando este tema cuando Benny abandonó el grupo. Al piano a un amigo del Blog Bobby Timmons.

El tercer tema I remember Clifford

A diferencia del anterior Benny tardó más de quince días en componer este tema. Quería que cada nota homenajeara a Clifford Brown, trompetista con una gran carrera y muy querido por todo el mundo del jazz que falleció en un accidente de tráfico en 1956. Benny fue amigo y compañero de Brown en la orquesta de Lionel Hampton

Estando de gira en California con la banda de Dizzy se la enseño a este al piano. Dizzy tenía una sesión de grabación quince días después y se la pidió. Aun así Lee Morgan la grabó primero, luego Dizzy, Donald Byrd, Sonny Rollins (el primer saxo tenor) …

Después el trío interpreto “All the things you are” mientras Benny descansaba. A este tema siguieron “Mr PC”, tema que Coltrane  dedicó al bajista Paul Chambers y el famoso “Take the A train” de Ellington.

Tras el descanso “Alone came Betty

Tema que compuso Benny en 1954. Art Blakey lo grabó y desde entonces se ha constituido como un standard más del jazz.

P.S. Moment un buen blues de Golson.

“Days of wine and roses”,sólo el trio mientras Benny descansaba.

“Killer Joe”

Contaba Benny que cuando compuso este tema no paraba de repetir el principio en el piano. Su mujer estaba de los nervios con el piano y la repeticion del tema. No le gustaba nada. Cuando llegaron los primeros royalties del tema empezó a gustarle mas el tema.

Por cierto este tema

Y la traca final “Blues March

Art Blakey no quería una marcha, pero Benny consiguió que el grupo la grabara. Desde ese momento se convirtió en un tema fijo en todas las actuaciones de los Messengers.

De hecho vi en Valencia a los Messengers menos de un año antes de morir Blakey (noviembre 1989) y tocó este tema.

Al final contacto de Benny con el público, fotografías y reparto de autógrafos.

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Benny Golson: “Hay que tener en cuenta que el jazz es improvisación, tocamos las mismas melodías pero no los mismos solos. Si alguien me preguntara que solo voy a tocar en Alone came Betty le diría que no tengo ni idea. Vamos siempre al mismo bosque, pero no a los mismos árboles”

Respuesta a la pregunta como se siente después de estar tocando los mismos temas durante cuarenta años.

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CANNONBALL ADDERLEY QUINTET, AUTOAYUDA Y JAZZ.

Julian Cannonball Adderley solía hacer largas y jugosas presentaciones en sus temas. En su disco  Nippon Soul nos da una lección de autoayuda.

Nos dice que normalmente no sabemos desenvolvernos ante la adversidad. El comenta que tomó un consejo de su pianista Joseph Zawinul. Cannonball Adderley  nos recomienda “Mercy, Mercy, Mercy”.

subir el volumen y escuchar la presentación de Cannonball, 40 segundos de autoayuda.

La verdad es que es un tema que te levanta la moral con su ritmo suave de medio tempo.

En la web Jazztimes.com este tema fue elegido como mejor canción de los diferentes grupos de Cannonball Adderley.

Para reforzar este tema de Zawinul  voy a traer de nuevo a David Pastor acompañado de la Back to Brass.

El tema “liberado”del piano. Como me gustaría oír esto en un pasacalles

Recientemente el blog Bluefunkymamma ha glosado la figura de Joseph Zawinul y en él comentaba una circunstancia que desconocía, y es la admiración de  Zawinul por Duke Ellington.

Pues aquí tenemos su version Come Sunday  una joya del Duque incluida en la suite Black Brown and Beige  que Mahalia Jackson interpretara magistralmente  en su día.

 

Y lo que Joseph Zawinul hace con este gran tema ayudado de Sam Jones al contrabajo.

Subir el volumen y no os perdáis la introducción de Cannonball a los japoneses

Y para que veamos a los dos protagonistas ahí va otra versión

 

 

Bueno pues ya sabéis ante la adversidad  Mercy, Mercy, Mercy.

NEIL YOUNG, LE NOISE

Todo comenzó con una llamada telefónica de NEIL YOUNG al productor y músico Daniel Lanois “Daniel tienes que ayudarme a hacer un disco acústico en solitario”.

A primera vista no parecía  una unión de “semejantes”. Por un lado un Neil Young que llevaba muchos años auto produciéndose sus discos y por otro lado el historial de producciones de Lanois  no parecía muy en la línea de Young. Brian Eno, Peter Gabriel, U2, The Neville Brothers …

Se puede por otro lado argumentar que el trabajo que hiciera Daniel Lanois con Robbie Robertson (uno de los líderes del famoso grupo The Band) y posteriormente con Bob Dylan en Time out of mind  si que le acercaba al estilo más directo de Neil Young.

En definitiva Daniel es un productor versátil capaz de adaptarse a cualquier estilo y modo de hacer

Unas cuantas sorpresas preparó Daniel para la primera sesión de grabación de Young en su casa de Palm Springs.

Antes que nada le enseñó a Neil los videos que había hecho con su grupo Black Dub precisamente en esa casa estudio.

Este impresionante ritmo de reggae sobre el que Trixie Whitley hace maravillas con la voz y no digamos la batería de Brian Blade.

Daniel haciendo de director de orquesta.

A Young le gustó la luz, el blanco y negro y lo directo de las grabaciones y comentó que quería algo parecido en el que la casa de Lanois fuera protagonista también. Neil veía el entorno como si fuera de una película de terror de los años 30.

Después de los videos Daniel le enseñó una guitarra acustica en la que había trabajado mas de dos semanas trucándola. Cambió la longitud de la pastilla e incorporó algunos trucos para expandir el sonido. Young se sintió halagado por estos preparativos, rasgó la guitarra y no sacó su acústica de la funda para nada.

Young se encontraba en un momento difícil de su vida. Ben Keith su inseparable guitarra steel  había fallecido de un ataque al corazón. L.A. Johnson  otro amigo y colaborador que había trabajado con Young más de cuarenta años haciendo películas también había desaparecido.

Lejos de arredrarle estas circunstancias lo lanzaron a una buena intensidad creativa. Lo mismo que le había ocurrido cuando la heroína se llevo a sus dos amigos Danny Whitten y Bruce Berry  35 años antes y que fueron la consecuencia del gran disco Tonight’s the night.

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Le Noise 33 disco de estudio de Neil Young se grabó en tres sesiones sucesivas de luna creciente.  Neil solo graba los tres días anteriores a la luna llena. Dice que son sus momentos mejores y más creativos.

Daniel dispuso su casa de techos altos y ventanas arqueadas como ambientación y como acústica, como caja de resonancia.

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La grabación comenzó con los acusticos Love and war y Peaceful Valley Boulevard

Neil Young encantado con la guitarra trucada por Daniel  Lanois.

Luego Neil tomó su gibson negra y acometió Hitchhicker un viejo tema que solo lo conocíamos como maqueta

Then came California
Where I first saw open water
In the land of opportunity
I knew I was getting hotter
I knew I was getting hotter.

But the neon lights
And the endless nights
The neon lights
And the endless nights
The neon lights
And the endless nights
The neon lights
And the endless nights
They took me by surprise
The doctor gave me valium
But I still couldn’t close my eyes
I still couldn’t close my eyes.

Then came paranoia
And it ran away with me
I couldn’t sign my autograph
Or appear on TV
Or see or be seen
See or be seen
Or see or be seen.

Living in the country
Sounded good to me
Smoking grass while the summer lasts
In the real organic sea
Where everything was green
Everything was green.

El tema narra con unos detalles geográficos el devenir de Young desde que sale de Canadá hasta que se instala en California y aderezado con las drogas que le acompañaban en su carrera musical. La noche de antes Young añadío a la canción un par de estrofas mas para hablar de su situación actual.

Young rasga su Gibson Les Paul mientras que Daniel le dobla, le triplica la voz le pone ecos, le recicla y pone en bucle la guitarra, mientras para dar todavía más impresión un contrapicado de Neil y unas luces y sombras complementan muy bien la canción.

En su estrofa final

I don’t know how i am standing here

living my life

I’m thankful for my children

and my faithful wife

En la cuarta canción Daniel le dió lo que el calificaba “su arma secreta” . Una “Gretsch Falcon blanca” conectada a dos amplificadores de valvulas, uno para los agudos y otro para los graves. A partir de aquí Young se olvidó de su disco acústico y no se separó de la guitarra blanca.

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Después de la segunda sesión Neil comenzó una gira en solitario incorporando alguno de los trucos de Le Noise a su repertorio. Young reconoció que a el no se le hubieran ocurrido.

Neil Young se relajó en le grabación de este disco. Se limitaba a componer e interpretar mientras Daniel Lanois reinterpretaba lo que oía al momento. El disco no tiene mezclas a posteriori, ni grabaciones de efectos o más instrumentos o voces. Todo los trucos que oímos de mas Neil los oía también por los altavoces .

Recomiendo a los oyentes de este disco que lo hagan viendo el video al mismo tiempo. Así se notan más todas la manipulaciones de Daniel Lanois.

If you do something over and over,you get better tecnically but spiritually far from the source.

Los temas se grabaron en una o dos tomas. La conexión entre Daniel y Neil era total.

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Le Noise se trata de una gran disco con un sonido totalmente diferente a todo lo grabado por Young hasta el momento, aún así la impronta de Neil está en todo el disco. Tanto del Young acústico y dulce de Harvest o Prairie Wind  como del más duro de Times Fades Away o Weld.

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Pero no todo fue perfecto en este disco. Young en su libro “El sueño de un Hippie” se queja amargamente del sonido del disco. Cuando Neil reprodujo la música en su sistema de audición ” Pono” se dió cuenta de que no sonaba bien.

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Analizando el disco vieron que la grabación digital no se había hecho a máxima resolución. Neil no se lo podía creer. “Solo hacía falta apretar la tecla adecuada para grabar a máxima resolución y no se hizo”.

Por fin este blog hace justicia y le dedica al menos una entrada a Neil Young. Tenía esta entrada hace mas de una semana pero no he podido ponerla en el ordenados hasta hoy. El retraso me ha venido muy bien pues se han producido dos buenas noticias. Lo primero es que Neil Young ha sacado un disco más. The Visitor.

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  Y otra mucho mas sorprendente y que son de esas cosas en las que Young va por delante de todo el mundo. Young ha puesto TODOS SUS ARCHIVOS MUSICALES al alcance de cualquier internauta. Solo tienes que registrarte en “Neil Young Archives” y ahí lo tienes todo sin interrupciones, con las letras, donde se grabó, músicos … Young nos deja disfrutar de su archivo SEIS MESES, luego cobrará algo para el que quiera seguir oyéndolo.

http://www.neilyoungarchives.com

Absolutamente recomendable..

Hasta otra.

Llenad vuestra cabeza de Rock.

ENGANXATS A MONK, DAVID PASTOR & BACK TO BRASS

Hay tres músicos de jazz que al que escribe le gustan mucho como compositores. Ellington, Monk y Mingus forman este trío. Por ese motivo siempre que veo que un músico de cualquier género hace una versión de algún tema de este trio o le dedica un disco completo enseguida es objeto de mi atención.

Hoy tengo el placer de presentaros el disco ENGANXATS A MONK.

A poca atención que le prestes a Monk enseguida te cautiva esa repetitividad, esos ritmos quebrados y cambiantes y esos riffs o vamps que se repiten en el tema y que se te clavan en la cabeza acompañándote horas y horas.

El pasado 8 de Octubre tuve el privilegio y el placer de asistir a la presentación del disco ENGANXATS A MONK  en el Palau de la Música de Valencia.

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Llegados aquí sería interesante hablar de los protagonistas de este disco.

David Pastor

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Hizo sus estudios musicales en “La Agrupación Santa Cecilia” de Sedaví (pueblo al sur de la ciudad de Valencia). Posteriormente se formó musicalmente en Valencia y Barcelona. Actualmente es profesor en l’ Escola Superior d’Estudis Musicals Taller de Músics de Barcelona y director de la “Original Jazz Orquestra” del Taller de Músics.

Ha colaborado con multitud de formaciones, Orquesta de Cámara de Moldavia, Jerez Texas (grupo inclasificable que no es ni andaluz ni de los EEUU), Solé Giménez, Michael Buble, Celia Cruz, Armendo Manzanero, Martirio, Seguridad Social,  Fundación Tony Manero …

Y con los músicos de jazz locales Ximo Tebar, Perico Sambeat, Seda Jazz Big Band (formación de Sedaví), Jorge Pardo …

E internacionales como Clark Terry, Path Metheny, Paquito de Rivera, Frank Wess, Danilo Pérez …

Back to Brass

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Quinteto de metales surgido en el conservatorio Joaquín Rodrigo de Valencia. Laureados en concursos nacionales.

Su espectáculo Back to Styles presenta estilos musicales, música de Bach, Haendel, Gardel,  Stevie Wonder, Michel Camilo …

Dos trompetas, trompa, trombón y tuba dan sonido a este grupo de metal. Hoy en día ejercen una importante labor didáctica llevando su música y adaptándola a diferentes acompañamientos. Banda de música, orquesta sinfónica

Aquí los tenemos versionando a Stevie Wonder en su homenaje a Duke Ellington.

Back to Brass son los “medio responsables” de la singularidad del sonido de ENGANXATS A MONK.

Felip Santandreu

Batería inicia sus estudios de percusión en el conservatorio “Mestre Vert” de Carcaixent. Luego dio clases con importantes baterías de jazz Billy Higgins, Jordi Rossi …

Ha formado parte de la Seda Latin Jazz Band, Seda Jazz Big Band, Paris no importa (grupo de pop-rock).

Actualmente ejerce una importante labor didáctica distintas academias de Xativa y Ontinyent.

Duccio Bertini

Comentando sobre Back to Brass he escrito que eran “medio responsables” del original sonido de este disco. La otra mitad de esta responsabilidad es gracias a Duccio Bertini. Compositor y arreglista nacido en 1968 en Florencia. Estudio piano y alos 14 años se pasó al clarinete. Su padre lo inició en el jazz. Luego estudió composición y arreglos.

En el 2003 ganó un concurso en el que Lee Konitz formaba parte del jurado.

Colaborador de múltiples bandas de jazz tanto en España como en Italia. Almería, Granada, Sevilla, Sedaví, Barcelona son localidades en las que Duccio ha colaborado con formaciones locales.

Ahora mismo alterna cuatro diferentes proyectos Futura Jazz Orchestra, Cromato Project, Rainbow Jazz Orchestra y Duccio Bertini Big Band. Este último está radicado en Barcelona y contando con David Pastor en sus filas y la cantante de Jazz madrileña Susana Sheiman.

Duccio haciendo un homenaje al gran Duke Ellington

A Duccio  lo podríamos calificar como un Gil Evans contemporáneo y además Europeo meridional, pues se siente muy cómodo en España y por supuesto en su país.

La trompeta principal de este tema es la de David Pastor

Duccio lo que ha hecho es quitar toda la parte de piano de Monk y dársela a la trompeta de David Pastor consiguiendo un sonido que no cansa a pesar de sus limitaciones y que tanto en directo como en el disco se deja oír muy bien.

El concierto

Interpretaron el disco completo. David Pastor estuvo comunicativo. El ultimo comentario sobre la sustitución del piano de Monk es de David Pastor. Comentó la importancia de la figura de Monk en el jazz, el origen del jazz y también que la idea de este disco es una fusión entre la música de bandas (muy común en las fiestas valencianas) y el jazz de Thelonious Monk.

Sólo hay un tema en la red de esta formación y es el famosísimo “Round about midgniht”.

Curiosamente es el único tema del disco que no arregla Duccio.

En la discografía de Monk hay un directo inolvidable en el que la formación estaba ampliada con figuras como Pepper Adams (Saxo Barítono), Donald Byrd (Trompeta), Phil Woods (Saxo Alto), Charlie Rouse (Saxo Tenor habitual de Monk) y además se incluye en la sección de metal de esta actuación una tuba, una trompa y un trombón.

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Una imagen muy parecida en las dos actuaciones.

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Pongo pues dos temas de este directo de Monk que se incluyen en el disco homenaje a Monk.

Por cierto se celebra este año el centenario de Thelonious Monk. Este disco se suma pues a esta importante celebración.

Esta es la entrada 101 según me comentó WORDPRESS cuando edité la anterior.

En esta mato dos pájaros de un tiro. El primero es homenajear yo también desde aquí al gran compositor Thelonious Monk y el otro es hablar de músicos locales, cercanos y accesibles. Esto lo hice en el 2014 con la Gramophone All Stars y ahora lo repito don David Pastor y Back to Brass.

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DONNY MCCASLIN, EL ULTIMO SAXOFONISTA DE DAVID BOWIE

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En 2014 David Bowie, colabora con la directora de orquesta María Scheneider. Graban el tema Sue. Bowie canta a su manera sobre la orquesta de María logrando un contraste único. La voz sugerente de Bowie ante unos arreglos de orquesta de jazz fue una mezcla inédita hasta el momento.

En esos días María le habla a Bowie  de Donny Mccaslin, un saxofonista de 51 años  que había pasado por su orquesta. Donny un músico experimentado con más de diez discos a sus espaldas está actuando en Nueva York en el 55Bar. Allí se presentan de incógnito María y David y comienza una colaboración entre Bowie y  Donny McCaslin.

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Bowie escucha los cuatro últimos discos de Donny McCaslin en ellos se ha producido un giro a un jazz mas electrónico y rockero.

 

 

Por su lado Donny sólo había oído en su juventud la canción de Bowie y Path Metheny “This is not America”, así que va escuchando la discografía de Bowie y le comenta a David ha oído hasta Aladin Sane. Bowie le comenta que eso es muy antiguo  y que ahora está en otra cosa.

Bowie le pasa proyectos de canciones y el grupo de Donny trabaja en ellas. Para Donny es todo un privilegio trabajar con una estrella del rock y lo que más admira es la capacidad de Bowie de asumir riesgos, su falta de miedo ante el cambio.

David y Donny comentan sobre el saxo. David cuenta que a él le enseñó Ronnie Ross el saxo de Walk on the wild side de Lou Reed, del álbum Blanco de los Beatles. Bowie admira a Charlie Parker y sobre todo a Eric Dolphy.

Black Star sale al mercado y aunque sea un disco difícil es un éxito. Pero al poco tiempo David Bowie fallece. Este disco se convierte pues en el testamento musical de Bowie.

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Donny McCaslin no se puede liberar de la influencia que le ha dejado Bowie. Incorpora a su repertorio Warsawa del Low.

Seis meses después de la salida de Blackstar Donny empieza a grabar su disco Beyond Now.

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En este disco la música de Blackstar, la sombra de la “estrella negra” está muy presente. De hecho tres de los temas  (Shake Loose, Beyond Now y Glory) son descartes de Black Star. El resultado del disco es un disco de jazz rock muy potente. A veces es como si fuera un disco de la segunda etapa de King Crimson que a mitad de la grabación Robert Fripp hubiera salido por tabaco. Esta referencia a King Crimson es mas por el estilo y estructura de las composiciones que por el sonido mismo.

En este disco están Warsawa y A Small plot of land (del disco de Bowie de 1995 Outsider). Curioso y extraño tema que Bowie interpretó junto al grupo Nine Inch Nails.

Aqui tenéis un resumen de cinco temas de este interesante disco.

El tema que da titulo al disco.

Y como muchas veces un buen TINY DESK CONCERT

 

HASTA OTRA AMIGOS

TRES HOMENAJES A JONI MITCHELL

Entre las novedades de septiembre del DOWNBEAT (una de mis fuentes de nuevo jazz) hay un disco que enseguida me llamó la atención por su portada y sobre todo por su titulo.

JESSICA MOLASKEY; PORTRAITS OF JONI

Viendo la portada me dí cuenta que que ese Joni no era otra que Joni Mitchell.

Leyendo la critica vi que había otro disco dedicado a la cantante canadiense en el año 2015, se trata del disco de Tierney Sutton After blue.

De cuando hice las dos entradas dedicadas al disco Don Juan Reckless Daughter recordaba un algo entre  Herbie Hancock y Joni Mitchell. Así pues fue fácil encontrar el disco River.

Estos tres discos me han servido para volver a escuchar gustosamente a la gran cantante Canadiense y dedicarle otra entrada. Espero que no sea la última.

Y ahora al lío.

HERBIE HANCOCK RIVER (THE JONI MITCHELL LETERS)

Si hay un músico facultado para hacer un homenaje  a Joni Mitchell este es Herbie Hancock. Mirando este vídeo lo entenderéis.

 

Esta grabación para un canal de TV por cable se hizo en 1987. Vaya “monstruos” acompañaban a Joni.

River (The Joni Mitchell letters) se editó en 2007. Wayne Shorter, Carlie Haden y cantantes como Norah Jones, Tina Turner, Leonard Cohen y la misma Joni Mitchell colaboran en este disco.

El piano de Hancock es el hilo conductor de todas estas canciones. Las versiones las alarga Herbie con desarrollos muy personales sobre el piano y muchas veces con la inestimable ayuda de Wayne Shorter al saxo soprano. Muchas de las canciones me transportan a las Paprika Plains, ese lugar tan mágico del imaginario de Joni Mitchell.

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El único tema del disco cantado por Joni Mitchell

TIERNEY SUTTON AFTER BLUE (2015)

Cantante de jazz nacida en Omaha (Nebraska). Tierney se rodea de grandes colaboradores en este disco: Al Jarreau, Hubert Laws, Turtle Island Quartet.

Ayudada por Al Jarreau y el Turtle Island Quartet  comienza este disco con una versión de “Blue”. En esta canción Tierney se aproxima mucho al disco Travelogue de Joni Mitchell en el que ella recreaba muchos de sus éxitos con unos arreglos orquestales de gran calidad.

Tierney+Sutton_+Tatijana+Shoan

Tierney va desgranando unos cuantos éxitos de Joni, “All I Want”, “Woodstock”, “Big yellow taxi”.

El tema “Free Man in Paris” lo funde con el clásico del jazz “April in Paris” alternándose los dos temas en una misma canción.

“The Dry Cleaner from Des Moines” es un tema del album Mingus, el más jazzistico de Joni. Hubert Laws (un flautista veterano del jazz) acompaña al grupo dando el toque de diferenciación de la versión.

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 Hubert Laws

En definitiva un disco que lleva a Joni Mitchell a un espacio entre jazz y canción melódica con unos arreglos musicales muy elaborados.

Tierney nos habla de su disco

JESSICA MOLASKEY PORTRAITSOF JONI

Jessica Molaskey es una cantante de jazz y actriz de musicales de Brodway. Tomy, Los Miserables, City of Angels, Cats, Chess son algunos de los musicales en los que Jessica ha participado. También ha participado últimamente en los festivales de jazz de Montreal y Monterrey.

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Jessica está casada con el guitarrista y cantante John Pizzarelli el cual acompaña a Jessica en este disco. La acompaña y también condiciona su sonido.

En algunos temas Jessica da un aire brasileño a las versiones de Joni Mitchell. No es de extrañar pues Joh Pizarelli tiene dos discos dedicados al sonido brasileño. Cruzar a Joni Mitchell con la música brasileña es algo que nunca había oído y Jessica Molaskey lo hace de maravilla. En dos temas  incluso las fusiona con temas brasileños “Circle Game/Aguas do Marzo” y “Celsea Morning/Aquelas Coisas Todas. Este último tema encajaría muy bien en el programa de radio3 “Cuando los Elefantes Sueñan con la Musica” de Carlos Galilea.

También hace dos mix de temas de Joni Dreamland / Carey y All I Want /Blue.

“The Dry Cleaner from Des Moines” también es versionado por Jessica. En este caso el acompañamiento se hace con una trompeta con sordina muy bien llevada.

En definitiva un buen homenaje a Joni Mitchell.

Bueno para mí ha sido todo un placer volver a escuchar estas canciones de Joni Mitchell tanto en los homenajes como en los originales de la cantante canadiense y escribir esta entrada que espero que no sea la última dedicada a la genial cantante canadiense.

Ahora una lista comparativa.

BEBOP, COOL Y HARD BOP A TRAVÉS DEL SAXO BARÍTONO

Bebop

Nace como reacción al Swing durante el final de los 40. Está caracterizado por un ritmo frenético y gran virtuosismo de los músicos y una gran capacidad de improvisación. Se eliminan notas innecesarias, se comprime la música.

A los músicos de Bebop les preocupaba poco que su música no fuera bailable, de hecho los oyentes estaban sentados y callados. Escuchaban la música sin perder detalle. Frente al sonido de orquesta del swing el Bebop era una música más individualista.

Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, Kenny Clarke, Charlie Christian y Charlie Parker fueron sus principales protagonistas.

En un principio no tuvo mucho éxito comercial, el gran público recelaba del género, pero sus seguidores eran unos grandes incondicionales.

Serge Chaloff

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Nacido en Boston 1929. Autodidacta del saxo barítono. Influido por Harry Carney (barítono de Ellington) absorbió rápidamente las construcciones musicales de Charlie Parker. Entro en la orquesta de Woody Herman donde formó parte de los,”Four Brothers”.

Chaloff fue un gran improvisador del barítono.

Problemas de salud hicieron que fuera mas moderado en su forma de tocar y menos productivo durante los 50.

Cool Jazz

Antes del final de los 40 se produjo una grabación titulada “The Birth of the Cool” (Miles Davis, Gerry Mulligan,  Lee Konitz, Gil Evans, entre otros) En este disco, una orquesta de nueve músicos crea un sonido que destaca por su linea melódica y ritmos tranquilos.

Este disco supuso el punto de partida de una nueva manera de hacer música. Se trató de un jazz con gran lirismo, con influencia de música clásica que tuvo gran éxito comercial durante los 50. Miles, Mulligan, Chet Baker, John Lewis, Stan Getz, Paul Desmond, Dave Brubeck estos fueron algunos de sus protagonistas.

Gerry Mulligan

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Saxo barítono y arreglista, Jeru para los amigos. 

Músico muy versátil que igual se expresaba con el cool como con el bebop, con Monk como con Johnny Hodges o Astor Piazzola.

Ya salio en este blog en la entrada de Murakami y el jazzMurakami y el jazz.

Basado en una composición de Chopin 

Hard Bop

Sería un Bebop enriquecido con blues, R&B, soul, mambo, boogaloo …

Fue un sonido asociado al sello Blue Note. Destaca por su gran ritmo en oposición a la tranquilidad del Cool Jazz. Fue una música principalmente instrumental.

Art Blakey, Horace Silver, Wayne Shorter, Herbie Hancock

Leo Parker

LeoParker

Washington 1929, se le conoce como uno de los mejores saxos barítonos del bebop,adoptando el estilo de Charlie Parker. Tocó brevemente en la orquesta de Dizzy Gillespie y en los 50 se unió a la orquesta de Illinois Jacket. Grabó dos discos como líder de formación en la Blue Note. Murió a los 37 años a consecuencia de sus problemas con la heroína.

Hasta aqui esta descripción de estos tres estilos de jazz y sus ejemplos al barítono.

Hubiera sido mas apropiado Pepper Adams como ejemplo del Hard Bop. Cualquier lector atento se habrá dado cuenta que Leo Parker esta descrito como barítono del Bebop.

La cuestion es que el jazz no es una “ciencia exacta”, afortunadamente. Los músicos de jazz son como los electrones que no se sabe exactamente donde están. Gerry Mulligan tambien es un excelente boper y los dos discos de Leo Parker que grabó en Blue Note son más de sonido  Hard Bop.

Como ejemplo de la posibilidad de un músico en más de un estilo aquí podéis oír como se las gastaba  Leo Parker haciendo Bebop.

Hasta la próxima.