REPEAT, AND WHEN I DIE, POR BLOOD SWEAT AND TEARS

And When I Die es un gran tema de mi admirada Laura Nyro. En su versión original resulta una canción sencilla, con fuerza, casi un godspel, perfectamente la podría haber cantado  Nina Simone. Laura, su piano y de fondo unos buenos arreglos orquestales.

En el estribillo se dice con una buena dosis de optimismo

And when I die 
and when I’m dead, dead and gone,
There’ll be one child born and
a world to carry on, to carry on

La letra habla de lo inevitable de una manera desdramatizada, tranquila y con ironia, pero al mismo tiempo con dudas, algo lógico a mi modo de ver.

I’m not scared of dying
and I don’t really care
If it’s peace you find in dying,
well, then let the time be near

If it’s peace you find in dying,
when dying time is here,
Just bundle up my coffin cause
it’s cold way down there,

I hear that’s it’s cold way down there,
yeah, crazy cold way down there

Resulta chocante y triste a la vez que Laura Nyro muriera de cáncer con sólo 49 años.

Esta canción la tomó Blood Sweat and Tears, un grupo de lo que yo llamo rock-jazz, es decir jazz hecho por músicos de jazz. Chicago, The Flock, Frank Zappa y Blood Sweat and Tears fueron los máximos exponentes de este genero en los Estados Unidos.

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Blood Sweat and Tears tomó su nombre de una famosa frase de Winston Churchill en un discurso en plena segunda guerra mundial. Churchill añadió además esfuerzo.

I have nothing to offer but blood, toil, tears and sweat.

El grupo se formo en 1967, su cantante era Al Kooper, que había tocado con Bob Dylan en Higway 61 revisited, en el segundo cambió el cantante por el histriónico pero efectivo David Clayton Thomas que es el que canta en el tema propuesto en la entrada.

El grupo tenía una potente sección de metal proveniente del mundo del jazz; Lew Solof (trompetista de Gil Evans), Randy Brecker (Brecker Brothers), Joe Henderson

Bueno y sin más rollo al tema:

Una sencilla introducción de armónica nos sitúa en lo que va a ser la canción, en 21 segundos nos presentan el estribillo con un tempo más lento luego un ritmo un poco “atrancado” y regular da entrada a David Clayton Thomas que poco a poco va acelerando el tema para asimilarlo al original de Laura Nyro. Con el estribillo  llega un gran momento jazzístico de metal.

Pasado el primer minuto entre vodevil y cantina del oeste da un giro inesperado al tema.

Llega el momento 1:28, DOS SEGUNDOS DE SILENCIO (lo nunca oído) y a empezar de nuevo.

2:13, las sorpresas continúan, ahora montamos a caballo por el Lejano Oeste.

A partir del minuto  3 la aportación a la letra del grupo. Un rollo muy de los EEUU con the devil,  the demon,  Satan …

Por último el tema se resuelve con el espectacular

There will be a child to carry on

Bueno lo de siempre oídla y repetidla.

Os dejo otra version en directo del tema con un solo de tuba muy conseguido y una selección de spotify del grupo.

 

Por último, cuando pongo  Blood Sweat and Tears en el buscador  siempre  me sale un grupo de adolescentes andróginos de Corea del Sur, muy en la línea Baby Metal que me las descubrió Tarareando .

Nada que ver con este blog, aunque sean un grupo digno de estudio, para el que se atreva.

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k-pop

y otros.

PASADO Y PRESENTE DEL JAZZ CÓSMICO

Hace poco vi una nota en Pitchfork en la que comentaba los músicos que habían tomado el relevo en el “jazz cósmico“.

Primero nos podríamos aclarar que es eso del jazz cósmico. Bueno a mi modo de ver musicalmente hablando no es ningún estilo como pueda ser el cool, el be bop o el hard bop.

Los grupos que practican el jazz cósmico comparten una característica musical. Normalmente les une un gusto por la experimentación y por los sonidos a menudo novedosos y diferentes a lo que hace el común de los demás grupos o músicos de la comunidad del jazz. Eso que Pitchfork nos presenta como jazz cósmico es más un conjunto de circunstancias que acompañan a los músicos que la música en sí misma.

Si hay un grupo que representa el cosmic jazz es la

Sun Ra Arkestra

El formador de este singular grupo es Herman “Sonny” Blount, nacido en Birmingham Alabama. Pianista, compositor, arreglista.

En 1946-7 ya era arreglista de la orquesta de Fletcher Henderson. A mediados de los años 50 tenía su propio trio en Chicago y acompañaban a diversos músicos como La Vern Baker, Johnny Guitar Watson, Sarah Vaughan

Entra en contacto con Alton Abraham médico radiólogo muy interesado por las ciencias ocultas, el espacio y la historia antigua. Alton seria su mentor, productor y manager. Herman Blount dejó de existir. Su alter ego, Sun Ra provenía de Saturno y desarrolló toda una mística y una estética entre el espacio exterior y el antiguo Egipto que fue y sigue siendo a día de hoy una de las señas de identidad de la Sun Ra Arquestra.

La  Arkestra, una pequeña Big Band, era una formación que tocaba fijo en un local de Chicago y por ahí pasaban entre otros Johnny Griffin, Sonny Rollins y John Coltrane.

Sun Ra fue uno de los primeros músicos que montó su propio sello discográfico “Saturn Records”. Había muchos discos tan experimentales que la única manera de ver la luz era auto editándolos.

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En 1959 compuso parte de la música de la películaThe cry of jazz”     (en el enlace del titulo está toda la película en cuatro capitulos, absolutamente recomendable) que reivindica con pasión la “negritud del jazz”. Concepto más que discutible y que daría para muchas líneas. En esta película define perfectamente el sonido de Sun Ra, calificándolo de nuevos sonidos de jazz contemporáneo y explicando las bases de su música:

  • Las melodías del Be Bop
  • El “color” de Duke Ellingtong
  • Los cambios experimentales de Thelonious Monk.

Sonido totalmente Ellingtoniano.

Nada que ver con Ellington

En los 60 la Sun Ra Arkestra, comienza a tener éxito entre el ambiente universitario y por supuesto en Europa. El grupo empieza a desdoblarse, varios saxos, dos o tres baterías, instrumentos de percusión, cantantes, bailarinas.

Sun Ra junto a Cecil Taylor y Ornette Coleman fueron los primeros en experimentar y dieron forma al Free Jazz. Durante los 60 muchas grabaciones de Sun Ra anticipaban elementos del free jazz, mezclados con elementos del mambo y con un gran uso percusivo.

Cuentan que en 1961 el grupo va al festival de Montreal, de vuelta pasan por Nueva York y el vehiculo que transporta a la Arkestra se avería. Algunos vuelven a Chicago, pero el grueso se queda en Nueva York y la orquesta se convierte en un imprescindible de la escena del jazz.

 

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En cuanto a los teclados Sun Ra no paraba de investigar piano eléctrico (fue de los primeros en usarlo), claviolino, celesta, órgano, rocksichord (mezcla entre harpsichord y piano eléctrico),sintetizadores…

Este tema es de 1957 y dicen que fue la primera vez que se uso en el jazz un piano eléctrico.

Que bien suena ese piano eléctrico. 
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A finales de los 60 e inicios de los 70 la Arkestra hace unas incursiones en California.

En 1971 Sun Ra da un curso en la universidad de Berkely California de titulo “El Hombre Negro en el Cosmos“. Esto atrajo la atención de un productor de cine Jim Newman.

Basada en las lecturas de Sun Ra le produce la película Space is the place. (Aquí esta el enlace a la película subtitulada en español)

El argumento se las trae “Tras desaparecer Sun Ra en su última gira europea, vuelve al planeta tierra en una nave en forma de cuernos. Recibido por una multitud, Sun Ra va a un centro social juvenil a buscar voluntarios, entre los afroamericanos, para colonizar el planeta de donde proviene. Ahí no le hacen ni caso en principio. Sun Ra va a realizar una actuación para buscar más voluntarios afroamericanos.  Además unos técnicos de la Nasa, con muy malos modos y blancos por supuesto, lo persiguen para averiguar la tecnología que usa en sus viajes espaciales. Al final Sun Ra y algunos voluntarios parten hacia el espacio poco antes de que la tierra saliera por los aires.”

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Este delirio tiene una música en la que Sun Ra baja el listón y es muy audible.

 

En 1980 Robert Muggee (recomendable seguir el enlace de Robert Mugee, sus peliculas sobre música parecen muy interesantes) realiza la pelicula documental Sun Ra: A joyfull of noise. Una entrevista en un museo de arte egipcio y dos atuaciones de la Arkestra se entrecruzan en este film.

Durante los 80 el grupo siguió actuando, siendo un imprescindible de los festivales tanto en EEUU como en Europa. Algunas actuaciones de la orquesta podían durar hasta cinco horas.

El 30 de mayo de 1993 Sun Ra partio hacia el espacio exterior y nos abandonó, pero la Sun Ra Arkestra continuó su andadura.

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John Gilmore fue el siguiente director de la Arkestra. Este saxofonista entró en la orquesta de Sun Ra en sus inicios, tocó también con The jazz Messengers, Mcoy Tyner, Chick Corea, Elmo Hope.

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Su manera de improvisar fue muy admirada por saxofonistas de vanguardia como John Coltrane y Pharoah Sanders. John cuenta que Sun Ra le introdujo en la música, que le costó más de seis meses entender las armonías de Sun Ra y que pensaba que Ra estaba a la altura de Mingus y Monk. Dos años después de la muerte de Sun Ra John Gilmore falleció, dejando el testigo a

Marshall Allen

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EN 1958 Marshall compró un disco en una tienda en Chicago. El tendero le dijo que el grupo ensayaba cerca de de allí tres veces por semana y que siempre estaban buscando músicos para la banda. Así conoció Marshall Allen la Sun Ra Arkestra.

El primer día Sun Ra lo tuvo de pie (no había silla para él) mientras le hablaba más de una hora de la Biblia y el espacio exterior. El tercer día le hizo una prueba y lo incorporó a la banda.

Este “joven” de 92 años lleva 22 años dirigiendo la banda y esta ha cambiado poco sus procedimientos desde los años 50. Siguen ensayando tres veces por semana, la orquesta está abierta a nuevas incorporaciones, y no les pagan en los ensayos, otra cosa es cuando actúan. Comenta que todavía existen muchas partituras de Sun Ra por descubrir.

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Marshall Allen toca el saxo alto, la flauta el oboe, el piccolo, la kora y algunos instrumentos de fabricación propia.

Y por último veamos lo que es capaz de hacer Marshall Allen con 90 años

Todo un fuera de serie de 90 años.

Sobre la musíca seleccionada: hacer una selección musical de la Sun Ra Arkestra es harto difícil. Aquí todo lo que está es, pero falta mucho. He obviado todo el arduo o espeso free-jazz de Sun Ra en aras de ofrecer la cara musicalmente mas amable de la orquesta. La finalidad del blog es mas para atraer a la gente a la música que generar un rechazo.

CONTINUARÁ …

ERIC BURDON NOS DA UNA LECCION DE BLUES “I’TS ALL MEAT”

A Eric Burdon lo reconozco como capacitado para dar lecciones de blues.  Sus inicios con los Animals, como una de las puntas de lanza del blues británico, su posterior unión con War y con Jimmy Witherspoon lo acreditan sobradamente.

En 1963 The Animals grabó un disco con Sonny Boy Williamson II, en el periplo de este último por Europa.

Como muchos músicos británicos  Eric no se pudo resistir al tirón de la psicodelia y entre The Animals y  su asociación con War grabó una serie de discos bajo el nombre de Eric Burdons and The Animals. El primero de ellos fue Winds of Change, grabado en 1967. La canción que da título al disco ya salió en los inicios de este blog.

Esta es la última canción del disco

The sound of Muddy Waters and the voice of Jimmy Reed
When Ray Charles moans
It’s all meat on that same bone
It’s all meat on just one bone
When Miles Davis blows his horn,
When Ravi Shankar plays
It’s all down home
But it’s all meat on the same bone
It’s all meat on just one bone
When Erkel Darbies walks,
When Eric Clapton talks
There’s only one place it can come from
And it’s all meat on the same bone
All meat, same bone,
Do it!
Don’t you listen to none of them jive hip squares
Try to tell you where the blues is from
‘Cause the blues is from the whole wide world
Deep within the souls of men.
When Muhammad Ali gets mad
When an Irishman drinks
It’s all for a woman
It’s all for his home
It’s all meat on the same bone
It’s all meat, same bone
It’s all meat, same bone
Same bone, same thing
It’s all soul, it’s all meat?

Como siempre voy a utilizar las referencias que da Burdon para ilustrar musicalmente la entrada.

Muddy Waters

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Es discípulo de Son House también fue visitado por Alan Lomax para realizarle una grabación y una entrevista para su archivo de la Biblioteca del Congreso. La tarde del último día de agosto de 1941 Muddy se sintió totalmente impresionado por el volumen del equipo de grabación y por los cables que salían desde su ventana a la furgoneta de Alan Lomax. Pero lo que dejó a Muddy Waters de una pieza fue el hecho de reconocerse en una grabación. Esto fue el acicate que le hizo pensar que se tenía que dedicar a la música y poco tiempo después abandonó la plantación de algodón de Stoval en el delta del Mississippi, para trasladarse a Chicago y mas tarde ser considerado como el padre del blues eléctrico.

Un disco de Muddy Waters bajo el brazo de Mick Jagger es lo que hizo que Keith Richards se aproximara a él en su encuentro en un tren.

Cuando los Beatles visitaron por primera vez los EEUU dijeron que estaban muy contentos de estar en la tierra de Muddy Waters. Algún periodista preguntó ¿Donde estaba ese lugar?.

En pocas palabras sin Muddy el rock no habría sido lo mismo.

Jimmy Reed

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Cantante armonicista y guitarrista de gran popularidad. Entre 1953 y 1966 metió 22 temas en las listas de ventas. Era muy característico tocar al mismo tiempo la guitarra y la armónica (cosa que luego harían Bob Dylan y Neil Young).

A Jimmy le pasó lo que a muchos músicos de jazz, blues y rock, no pudo compaginar la fama con una vida más o menos equilibrada. Sus problemas con el alcohol le impidieron hacer una carrera seguida. Gracias a su batería y segundo guitarra pudo salir hacia adelante y tener una errática vida musical.

En los 60 en el festival de Newport estaba tan ebrio que cayó al foso de los músicos.

Aquí lo tenemos con su gran “Bright lights big city”

No es casual que este tema lo grabaran tanto los Animals como los Rolling Stones

Ray Charles

Cuando Burdon dice que Ray Charles moans (gime) se refiere al tema de Bobby Timmons Moanin que Ray hizo en su gran disco para Impulse. Me remito a la entrada Jazz Charles.

Miles Davis

En 1967-8  Miles Davis estaba pasando una mala época. Atrás quedaban los dulces momentos del gran disco Kind of Blue. Problemas de salud y problemas económicos.

El jazz había desplazado a la canción melódica en los 50 y ahora el rock barría al jazz. Tanto el público como las discográficas abandonaban el jazz por el rock. Al festival de Monterrey acudían gran cantidad de aficionados a la música y mientras Miles  hacia algunas actuaciones ante 40 o 50 personas. Y eso que el quinteto de Miles de ese momento era memorable.

Tony Williams, Ron Carter, Herbie Hancock y Wayne Shorter acompañaban a un Miles en baja forma compositiva. Tanto Wayne como Herbie componian muchos de los temas. Aún así en palabras de Hancock componían como si fuera Miles el que lo hiciera.

En su disco Miles Smiles está esta maravilla compuesta por Wayne Shorter

Eric Clapton

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En 1967 Cream graba su segundo disco Disraeli Gears. En el hay un tema del bluesman Blind Joe Reynols

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que suena tal que así

Este Outside Woman Blues es transformado de una manera formidable a la electrificación y amplificación por el trío legendario. Además canta Clapton.

Me quedo sin palabras ante estas dos interpretaciones.

Clapton es la última referencia musical de la canción. Pasando a un intento de explicación del porque del blues según Burdon.

Bueno queda una referencia a Ravi Shankar, una concesión a Monterrey y su psicodelia, y que se aleja bastante del blues.

La canción afirma que el Blues viene de lo más profundo del alma de los hombres, cuando Muhamad Ali se vuelve loco, o un irlandés bebe, ahí está el Blues.

Pues estas son las reflexiones que Eric Burdon hace sobre el blues y que he querido exponer en la entrada.

Eric Burdon es un asiduo del blog y lo seguirá siendo. Esta es la tercera entrada que protagoniza y no será la ultima.

RECORDANDO A: LITTLE FEAT LOS REYES DEL SLOW

Cuando hice la entrada de Steely Dan pensaba que este grupo hacia un estilo muy personal de música, muy difícil de encasillar y que poco a poco fue derivando a un soft jazz muy personal.

En cuanto a Little Feat la mejor manera de describir lo que hacían la he encontrado en su web: ” musicalmente los feat están en la tradición del blues, el R&B, country, jazz” ósea un poco de todo. Añadiría yo el folk y el rock progresivo.

En 1969 Lowell George después de estar un año tocando con The Mothers of Invention, visto tenía poco poder de acción (Zappa lo tenía todo muy claro), se decidió, aconsejado por Frank  a formar su propio grupo. Lowell y Bill Payne (teclados) fueron el germen del grupo. Desde el primer momento tuvieron claro que no se iban a parar en un solo estilo y que iban a tocar de todo.

Junto con Roy Estrada (bajista de Frank Zappa) y un batería integraron la primera formación de los Little Feat. Esta formación editó dos buenos discos uno con el nombre de la banda y el Sailin Shoes.

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Country rock, blues, folk, R&B se suceden en los temas de estos dos discos.

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En 1973 el grupo tiene undos cambios. Se va Roy Estrada, no lo veía claro y va con el inseparable de Zappa, Captain Beefheart. En el grupo entra un amigo de High School de Lowell George, Paul Barrere también a la guitarra, un bajo de Nueva Orleans, Kenny Gradney y un percusionista, Sam Clayton.

Estas incorporaciones le dan al grupo un aire más de New Orleans, de grupo de ritmo slow y arrastrado con un funky  lento pero muy potente.

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Dixie Chicken  fue el primer disco de esta nueva formación y el que de título al disco es un tema antológico de toda la discografía de los Feat.

Esta formación aún daría dos discos fuera de serie  y con unos Little feat muy cohesionados y precisos “Feats don’t fail me now” y “The last record Album” que tardaría en editarse por un accidente de moto del bajista.

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En 1977 sale a la venta “Time loves a Hero“.

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El disco es mas disperso. En el hay muestra de todos los estilos de los Feat en su carrera. En este disco Lowell ya estaba iniciando una carrera en solitario y también tenia mucho trabajo como productor. Eso provoca que Bill Payne y Paul Barrere sean más protagonistas en este disco.

Los directos del grupo eran muy buenos y en ellos asumían muchos riesgos “Waiting for Columbus” es un doble LP en directo donde el grupo volvió a cohesionarse y tomar fuerzas para grabar su último “Down on the farm” disco que recupera el sonido original de los feat pero a mi modo de ver con bastante menos fuerza.

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Ademas durante la grabación de este disco Lowell estaba de gira de promoción de su único disco en solitario “Thanks i’ll eat it here“.

El 29 de Junio de 1979 lo encontraron muerto de un paro cardiaco en la habitación de un hotel. Tensión, drogas, mala alimentación, obesidad… todo esto dio con Lowell George a sus 34 años.

Bueno después de tanta palabrería valdría la pena escuchar algo.

Sonido country rock

Este tema podría haber estado incluido en el primer disco de Crosby Stills and Nash. No habria desentonado nada.

y este “six feet of snow” del ultimo disco Down on the farm lo podrian haber firmado los Fliying Burrito Brothers de Gram Parsons.

Una letra de camioneros y de amor a distancia, una constante en la temática del grupo.

She waits for me
Hair so long and eyes so green
She’s the prettiest girl I’ve ever seen
Don’t you know the ice and snow
Is sneakin’ through this boy’s window
Don’t you know how much I hate to
Be so cold and so alone
I’m comin’ home

Baladas

Lo siento pero aquí el que escribe no puede ser objetivo. Estas dos baladas que voy a presentar entran en las mejores de todos los tiempos. Bueno, sólo es mi opinión.

Tema de camioneros que van por carreteras segundarias para que no les pesen y que hacen contrabando con tabaco en la frontera de México, también  es una canción de amor pues ahí está “Alice, Dallas Alice que la veo en las luces delanteras” y cuando dice ” if you give me  weed, whites and wine” abre la caja de los truenos para que cualquiera interprete estas palabras, desde referencias técnicas a temas de transporte hasta el uso de sustancias estimulantes. Nadie puede saber de que va pero en cualquier caso la canción es fuera de serie.

Hay quien dice que Willin se la presento Lowell a Zappa y a este no le gustaron nada las referencias a las drogas y por eso lo tiró del grupo. Me cuesta mucho creer que Zappa tirara a alguien por la letra de una canción. Otra cosa es si Lowell no comparecía en plenas facultades en ensayos y actuaciones por abuso de cualquier sustancia. Ahí me imagino que Frank no tendría compasión.

La versión que hemos puesto es la del segundo disco Sailin Shoes, pero este tema en realidad este tema se grabó en el primer LP del grupo en una versión todavía más lenta.

Por último sobre Willin. Recomiendo al que quiera curiosear que después de oír Willin, escuche The Weight de The Band. En cierto modo son temas muy análogos.

Willin parece insuperable pero escuchad esto por favor

Canción de amor imposible desgarrada, ayudada por la  fantástica slide guitar de Lowell George y por esa letra que no da ninguna opción “todo lo que saco de ella es un amor a larga distancia”

You know her toes were so pretty
And her laugh so sweet
I wonder does she know
Does she know she hurt me so

And no matter what I do
I even pray to heaven above
All I seem to get from her is
Long distance love
Long distance love
(oo-oo-oo)

Así acaba esta maravillosa canción.

Hasta Lowell George el slide guitar se había limitado principalmente al blues. Muddy Waters, Johnny Winter…

Pero Lowell George llevó el slide a otras músicas. Fue el primero en llevar esta técnica a la música de Nueva Orleans y a los ritmos un poco mas funky.

Paul Barrere ahora toca el slide en Little feat (el grupo aún está en activo) y dice de George “Prefiero a los musicos que dicen muchas cosas con una sola nota que los que para decir algo necesitan muchas notas” . Lowell George, un maestro de la sobriedad en el slide guitar.

El gran maestro del slide Sonny Landreth (que es de los que utiliza muchas notas para decir algo) reconoce a Lowell como uno de sus inspiradores.

Lowell también fue instructor de slide del grupo femenino Fanny producido por Tod Rundgren.

Canciones de ritmo trepidante

Aunque sean los “Reyes del slow” tienen mas de una canción rápida en ritmo. Este Oh Atlanta es una de ellas. Muy usada en los directos de la banda.

Arreglos jazzisticos

Este Hi roller es una extraña mezcla entre funky y jazz

Algo de progresivo o sinfónico

Desde luego este grupo tocaron muchos palos. Este tema tiene momentos que los podría haber firmado King Crimson.

Y esta la podria firmar Gentle Giant

Muy buen blues

Lowell George fue un admirador en sus inicios de Howlin Wolf. En su primer disco esta esta maravillosa mezcla de dos blues del lobo aullador.

le dan un aire lento y contundente a la vez que lo hace muy original.

Esto si que ha sido una sorpresa para mi, un duelo de slide guitar entre Lowell George y Mick Taylor, impagable. Muy buena la voz blusera de Lowell.

Y por fin los reyes del slow

Cold, Cold, Cold abre el segundo disco del grupo.

Vaya acompañamiento de lujo, una lástima que no les dieran más voz a Emmylou y a Bonnie.

El segundo  tema abre el cuarto disco Fats don’t fácil me now

A partir de la segunda formación de los Feat como ya hemos dicho el sonido se hizo mas de Nueva Orleans. Los ritmos cadenciosos, el piano marcado y la cobertura que da el bajista Kenny Gradney y el batería hacen que la musica sea dura y reposada a la vez. Es como un motor diesel que avanza despacio pero imparable. Es imposible detener esta lenta avalancha.

Esta sección podria no acabar pues el 80% de la música de este grupo va en esta onda y por eso son

LOS REYES DEL SLOW

No hay lista de Spotify pues todos los discos expuestos no tienen desperdicio y todas las canciones son de altura. Además recomiendo el doble en directo Waiting for Columbus.51LDqlr8yZL

Bueno si os dejo un bonus en forma de lista. Tres temas de Little Feat tocados por el grupo + Robert Palmer. La mezcla es genial. Robert tuvo el buen ojo de colaborar con los Feat y en sus tres primeros discos incluyo una canción de Little Feat.

Yusef Lateef y Julian Cannonball Adderley en homenaje a John Coltrane

La cantidad de grabaciones en  directo de las formaciones  de Julian Cannonball Adderley es muy prolija. Es el consuelo que nos queda a sus admiradores pues su prematura desaparición  con menos de 50 años nos privó  de  una gran estrella. El caso es que al que escribe se le pasan las horas escuchando estos discos y disfrutando de los distintos grupos del buen “Caníbal” . Además normalmente estos discos han recogido las presentaciones que el propio Cannonball hace de sus temas y que resultan muy distraídas.

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El disco que hoy nos ocupa es de Nippon Soul. No hace falta que diga donde está grabado.  La formación de es de super lujo. Julián al saxo alto, su hermano Nat a la corneta,  Joe Zawinul al piano,  Sam  Jones al bajo, Louis Hayes a la batería y Yusef Lateef  al tenor, ocarina, flauta …

Vaya quinteto. El disco se grabó en julio de 1963. En el hay un tema dedicado a John Coltrane titulado “Brother John”, bueno dejemos que el propio Cannonball nos lo presente y oigamos estos sorprendentes   más de trece minutos.

El tema homenajea más concretamente al inolvidable “My favorite thing”  que tan popular hiciera Trane.

Así como  Coltrane utilizó para este tema el saxo soprano, saliendo se de su más habitual registro del tenor, Lateef toca en este tema también la ocarina, dándole un sonido excepcional.

En el ritmo y también en la melodía también hay muchas similitudes,  de manera que el homenaje no se limita únicamente a una referencia en el título si no que musicalmente Trane está presente en todo el tema.

Oigamos al tema homenajeado

Este tema lo compuso  en 1959  por Rodgers y Hammerstein para un musical  de Broadway “El sonido de la  música” Trane lo tomó en  1961 desarrollando todo un tema entre el y Mccoy Tyner al piano. Posteriormente en 1965 el musical original se transforma en una película que en España seria “Sonrisas y Lágrimas”.

Coltrane incluyó este tema de más de trece minutos en su disco homónimo  de Atlantic  Records y fue un gran éxito.  Incluso se partió el tema en dos y se editó en un single.

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La popularidad de la canción persiguió a Trane durante su temporada en Atlantic y en Impulse  (el sello que Coltrane impulsó).

De hecho lo intentó con otra vez con el soprano en este difícil “Chim Chim Chere” de sonido más áspero y sin concesiones.

Tuvo que llegar “A Love Supreme” para que Trane dejará de sentirse presionado y para que Impulse recogiera con creces todo lo que había apostado por Coltrane.

Por cierto como este blog es afín a Murakami … recordamos “Kafka en la orilla”.

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El protagonista Kafka Tamura, un adolescente que se escapa de su casa e inicia una extraña búsqueda de sus orígenes y sin ser consciente de ello. Pues bien Kafka lleva en su mochila un disc-man donde alterna Prince, Cream, Radiohead y John Coltrane. En un momento bastante mágico e irreal de la novela Kafka oye “My Favorite thing” y comenta cosas como que se trata de una complicada improvisación que cubre todas las notas musicales y que es imposible de silbar, solo se puede llegar a una ligera aproximación, que es mejor que nada. En otro momento Kafka describe el mágico momento de este tema en que Trane acaba con su solo de soprano y arranca McCoy Tyner con su solo de piano, “la mano izquierda marca el monótono ritmo y la derecha acumula gruesos y oscuros acordes”(2:30 aprox). Acaba la referencia diciendo que en el fondo de sus oídos sigue Coltrane con su laberíntico solo, un solo sin fin.

Esto es lo que le pasará a cualquiera que oiga este varias veces.

Llegado aquí tocaría hablar de Yusef Lateef y Cannonball Adderley, pero vamos a dejar a Cannonball para otra ocasión (volverá).

Yusef Lateef

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William Emmanuel Huddelston de pequeño se trasladó a Detroit donde se formó como músico. Giró con una Big Band junto a Roy Eldridge y  Dizzy Gillespie  en 1949 -1950. De 1955 a 1959 dirigió su propio quinteto con el trombonista Curtis Fuller.  Grabó para los sellos Savoy Prestige y Riverside.  Fue el guitarrista Kenny Burrel el que le inicia en la flauta. Trabajó con Mingus y Donald Byrd.

Entre 1962 y 1964 entra en el grupo de Cannonball Adderley donde ejerce una labor fundamental como compositor e instrumentista aportando un sonido “exótico” al grupo.

Coltrane que era prácticamente consejero en el sello Impulse hace que lo fichen para el sello y permanece en este hasta 1966 gozando de total libertad y haciendo la musica que quería. Yusef era muy apreciado por Coltrane por el dominio de muchos instrumentos de madera exóticos como el argul (un doble clarinete que suena como un fagot), el shanat (un oboe del norte de La India), flauta de bambú …

También tocaba el oboe, el fagot (instrumento poco usado en el jazz), y por descontado el saxo tenor.

Su primer disco en Impulse “Jazz Round the World” puede calificarse como “world music” antes de que este término hubiese sido inventado.

A partir de 1967 pasó al sello Atlantic Records donde también tiene buenas grabaciones. En los 80 estuvo en Nigeria enseñando flauta.

Y ahora un tema de este primer disco de Lateef para Impulse.

Y también una versión del “Brother John” que ha sido el origen de la entrada.

Yusef murió en 2013 a los 93 años.

Espero que os haya interesado esta mezclilla entre Cannonball, Coltrane y Yusef Lateef.

REPEAT, “PICK UP THE PIECES” POR THE AVERAGE WHITE BAND

The Average White Band banda escocesa de funk y música de baile. Hoy en día dirían Acid Jazz. Sacaron su nombre de unas palabras de un diplomático británico que en cierto momento dijo “to much for the average white man“. Les gustó como sonaba y cambiaron al hombre por la banda.

Intentando traducir el nombre del grupo diríamos algo así como “la banda blanca del término medio”. Intraducible, un sin sentido.

Desde luego que unos escoceses hicieran funky y lo hicieran tan bien no era nada habitual ni del término medio.

The  Average White Band se formó a primeros de los 70 por unos músicos de estudio y de acompañamiento ya curtidos que probaron suerte y grabaron su primer disco en Londres con poco éxito.

Su segundo disco conocido como The White Album tuvo un largo periplo previo. Grabado en Los Angeles para MCA al final fue rechazado por la propia discográfica y fue un directivo de Atlantic Records (al cual le hicieron una encerrona para que oyera el disco) el que se volvió a interesar por el disco y puso toda la maquinaria ATLANTIC al servicio de este grupo.

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El resultado fue un esplendido álbum que llegó a no 1 en el Billboard de R and B y el single fuera de serie, la canción que nos trae hoy,       que por supuesto fue número uno en singles.

Y sin más explicaciones

PICK UP THE PIECES

 

Repetidla y a  bailar.

FLEET FOXES Y RHIANNON GIDDENS, DOS PROPUESTAS DE NONESUCH RECORDS

De cuando en cuando acudo a Nonesuch Records para ponerme al día en las novedades de este sello tan singular.

Nonesuch Records es un sello muy parecido A Algo de Jazz algo de Rock …

Bueno, digámoslo mejor, este blog es muy parecido al espíritu de Nonesuch Records. La oferta de artistas y estilos del sello es muy variada.

Va desde Philip Glass, Eno, Tigram Hamasyan por el lado “experimental”.

Joshua Redman, James Farm, del jazz de hoy en día.

Clásicos de jazz y el blues como Alain Toussaint, Doctor John, Scott Joplin.

Músicos actuales: The Black Keys, Wilco…

Folk, música “periférica” Caetano, Gilberto Gil, Mariza, Yosou  N’Dour y muchos más artistas poco conocidos para la mayoría de  aficionados, entre los cuales me incluyo.

Inclasificables como David Byrne.

Por este motivo algunas veces cuando me pongo al día con el sello descubro algo que me sorprende.

En su día y antes de iniciar este blog ya descubrí a Carolina Chocolate Drops  y su sorprendente propuesta entre el Bluegrass y el Country Blues. Por cierto les dediqué mi segunda o tercera entrada de este blog, allá por agosto del 2014.

Esta vez ha sido un grupo de rock folk curioso el que me ha llamado la atención: Fleet Foxes.

En cuanto a Rhiannon Giddens ya es una conocida, pues es la cantante de Caroline Chocolate Drops y recientemente ha sacado su segundo disco con Nonesuch Records, además salió en la entrada que dediqué al disco homenaje a Bob Dylan  Lost on the river.

Sin más preámbulos:

FLEET FOXES

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Grupo de Country folk que se formó en 2008 en Seattle. Los componentes de este grupo aparecen descritos como multiinstrumentistas a excepción del batería. Desde su formación han editado dos discos uno en 2008 y otro en 2011 y tienen previsto lanzar su próximo disco en junio en el sello Nonesuch Records.

El tema que nos adelantan de su próximo disco Crak up es este

Robin Pecknold es el líder e iniciador de la formación. En 2005 se formó el embrión del grupo con Robin como compositor,  cantante principal y guitarrista y por Skyler Skjelset como guitarra solista. El grupo tuvo muchas escuchas en Myspace y en 2008 grabaron su primer disco. El disco fue bien acogido tanto en los EEUU  como en Europa.

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En 2011 Editan su segundo disco, Helplessness Blues, y en 2012 es nominado a mejor álbum folk de ese año.

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Este 2012 el batería abandona el grupo y se reinventa a sí mismo como Father John Misty.

Desde  2012 hasta este año el grupo ha estado en un paréntesis  con rumores tanto de disolución como de reunión y en junio editarán su tercer disco.

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El sonido de Fleet Foxes es nuy cercano a Crosby , Stills and Nash, el propio Young, Simon and Garfunkel, los Beach Boys. El cantante a veces se acerca al tono de John Anderson (Yes).

Que bien cuidan las voces, Fleet Foxes.

Este verano van a actuar  en El BBK y en el Vida Festival de Vilanova I la Geltrú.

Y como siempre la lista:

RHIANNON GIDDENS

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Recientemente ha grabado su segundo disco en solitario, “Freedom Highway“. Su anterior disco “Tomorrow is my turn” supuso  su primer trabajo a parte de su gran grupo de Country Blues y Bluegrass Carolina Chocolate Drops. En este primer disco la renuncia a los Carolina era además de estilo musical. Rhiannon renunciaba a los sonidos tradicionales y se inclinaba más por la vía de los standards de la música americana y a una música más comercial.

Cuando  Rhiannon trabó contacto con T. Bone Burnett en la grabación de “The new Basement Tapes” este le propuso producir su primer disco, dándole un sonido que atrajera más al gran público.

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Tomorrow is my turn” es un buen disco, pero al que escribe lo que más le gusta son esas tres canciones que conservan un poco el sonido original de los Carolina Chocolate Drops (ver lista de spotify) el resolución del disco lo podrían haber hecho más de una docena de cantantes de los EEUU.

De hecho cuando salió este disco no quise hablar de él.  No quería hacer una entrada para hacer una crítica negativa de un disco.

Con “Freedom Highway“ la cosa cambia, es una vuelta al blues rural de su grupo original con unas ligeras aportaciones de guitarra eléctrica, arreglos  soul que no desmerecen el resultado final del disco. Un justo equilibrio entre la tradición “militante” de Carolina Chocolate Drops y el giro comercial que le había dado T Bonne Burnett en el anterior disco.

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Rhiannon en su estado mas auténtico.

En directo el mejor tema del primer disco de Rhiannon.

La lista de Rihannon.

Espero que os hayan interesado estas dos propuestas y os invito a investigar en Nonesuch Records.